Blog Biblioteca Fuenlabrada - URJC

Reseña: Corazón rebelde (Scott Cooper, 2009)

2012-02-01T17:15:00.000+01:00

Corazón cansado

Por Biblioteca

Hay cosas que se les deben exigir a directores y guionistas en relación a sus personajes, cosas cuyo incumplimiento hace que el armazón más espectacular se desplome como un castillo de naipes. No se trata de que el personaje triunfe, que se case con la chica apropiada o que la heroína de turno haga prevalecer la luz de la verdad sobre las tinieblas del mundo. Es algo más sutil, consiste en ser coherente con la evolución de esos personajes que han salido de sus chisteras.

Y viene esto a cuento por el ejemplar tratamiento que Scott Cooper hace del personaje de Bad Blake, interpretado por el oscarizado y casi siempre sublime Jeff Bridges en Corazón rebelde. Un personaje atascado en su planteamiento vital, náufrago de sus propias tormentas alimentadas con el whisky que se puede financiar en giras por tugurios de mala muerte. El perfecto exponente del odioso concepto de loser que el capitalismo tardío nos ha tatuado a fuego, y una variante dramática del Dude de El gran Lebowski (Joel Coen, 1998).

Hay momentos en que incluso un personaje de vida tan desbaratada como la de Bad, encuentra su oportunidad de luchar por lo que más quiere. Queda en sus manos (o las del guionista), tomar la decisión adecuada o no. Es, en esos momentos en que una película se la juega, cuando los intereses de personajes, espectadores y productores se despegan en una fractura abisal. Lo que el cuerpo nos pide que le ocurra al personaje quizá no sea lo más acertado para la película y, al revés, un guión cabal y coherente puede, en ocasiones, hacer que las derivas del héroe sean los grandes logros del relato. Tomar la decisión apropiada y que, además, ésta sea la más impopular, es una postura valiente, pues lleva asociada normalmente caídas en la taquilla. Pero no necesariamente en calidad.

Otro tratamiento que ha coqueteado con el descalabro, y lo ha hecho sin paternalismos ni sermones, es el de Jack Lemon y Lee Remick en Días de vino y rosas (Blake Edwards, 1962), aunque Blake Edwards se centra con fijación en los estragos del alcoholismo. El que se acerca, y supera, el enfoque de Scott Cooper es el que Mike Figgis hace de otro personaje metido en la autopista hacia la autodestrucción: el Ben Sanderson de Leaving Las Vegas (Mike Figgis, 1995), interpretado por Nicolas Cage. Un trato impecable por parte del director y guionista, que nos lleva de la mano a contemplar la caída sin remedio de un personaje con las cartas marcadas. Asistimos al último trayecto de Ben Sanderson-Cage en una cuesta abajo imparable y meditada, sin ningún tipo de concesión a la galería más allá de algo tan humano como el respeto y la compasión que rezuma (el momento en que Elisabeth Shue-Sera regala a Ben una petaca, es de los más conmovedores de la película). Este respeto y esa honestidad al tratar a su personaje es lo que marca la diferencia entre un director con criterio artístico o un director-productor con un criterio comercial. ¿Un winner?

Y por terminar y darle un poco de leña al concepto loser, decir que la canción de Corazón rebelde que ganó el Oscar: The Weary Kind, de Ryan Bingham, es de esas canciones que no salen de una vida llena de fastos y luminarias. Es una canción que tiene que ver más con el lado sombrío de la existencia, donde se cuecen las energías de la regeneración. Como en los momentos de crisis.
Y con ella os dejo.

¡Más madera!: Moneyball (Bennett Miller, 2011)

2012-01-30T19:44:00.000+01:00

Siempre fue mejor trabajar en equipo

Por Borja Gallego

Es muy probable que en la mayoría de salas españolas donde se proyecte Moneyball nadie tenga ni la más remota idea de béisbol, pero eso es lo de menos. ¿Por qué? Muy sencillo, porque esta historia, contextualizada en un ambiente deportivo, no es una típica película de deportes. Moneyball va un poco más allá. Sin engañar a nadie, se adentra en el modo de vida de un hombre, un mánager de un equipo modesto y humilde, con muy poco presupuesto y su curioso ayudante. Hablamos de Billy Beane y Peter Brand.

Beane (Brad Pitt) quiere dar un paso más en el mundo del deporte, quiere encontrar una ecuación perfecta cuyo resultado sea ni más ni menos que la victoria, para ello contará con la inestimable ayuda de Brand (Jonah Hill). La extraña pareja que forman Pitt y Hill tiene encanto, me refiero a que encajan bien, el prototipo absoluto de guaperas combinado con el intelectual gordito, no deja de ser un dúo repetido, pero no se nutre a base de los tópicos de parejas del cine, sobre todo en los roles que desempeñan. Todos sabemos quién es el guapo y quién no, pero esa sensación no se genera en ningún momento. Porque se establece entre ellos un vínculo que va más allá de lo profesional (de los actores) llegando a la cuasi perfecta simbiosis profesional (de los personajes). El puntito cómico que aporta Hill, bien mimetizado con la sonrisa irónica de Pitt, la timidez de uno y la extroversión del otro... A pesar de ser lugares comunes de este tipo de dúos, no caen en los estándares, ambos dicen más, sobre sí mismos y sobre cómo se entienden, muy a pesar de Billy Beane, que generalmente reniega de entablar una relación más allá de lo profesional con nadie. La interpretación de Pitt, como siempre extraordinaria (una vez escuche decir a alguien que Brad Pitt actúa bien hasta de espaldas, no se equivocaba). Mención al toque de Seymour Hoffman, está muy bien, ese entrenador que se cree más de lo que es, pero que en realidad no es mala gente.

Aaron Sorkin nos brinda una historia que encaja en los estándares de películas deportivas, pero también funciona como drama humano. Un hombre con ciertos errores en el pasado, una nube negra que atormenta no sólo cada decisión que toma, si no el día a día de un individuo que pudo ser y no fue. Una vida en soledad, sólo perturbada por la entrañable aparición en escena de Kerris Dorsey, la hija que todo padre quiere tener. Con 12 años es más consciente del malestar de su padre, que él mismo. Y a pesar de no resultar del todo encantadora, nos cautiva con su buen dominio en la faceta musical.

Diría que Bennet Miller es aficionado al béisbol, y me explico por qué. Sabe dar ese dramatismo a las escenas de los partidos, hace que los aficionados al béisbol queden cautivados, pero sobre todo consigue que los que no tenemos ni idea, no nos perdamos en ningún momento. Incluso puedo decir, sin miedo a equivocarme, que hoy sé más de béisbol que ayer. Uno de los logros del tándem Sorkin-Miller, ha sido saber llevarnos bien cuando más se inmiscuyen en los entresijos de papeleo y scouting, dónde podemos encontrar todo tipo de repertorio de ojeadores veteranos, algo así como un consejo de sabios, sabios del béisbol. Pero lo importante es que no nos perdemos cuando hablan de posiciones sobre el campo, de estadísticas exclusivas del propio deporte, de equipos, de traspasos… Aunque no entendamos lo que dicen, lo comprendemos.

Así han conseguido que todo ligue a gusto de muchos. Combinando las situaciones deportivas y la imagen mas intimista de Billy Beane. Un viaje introspectivo de un manager, de un padre, pero sobre todo de un individuo más, con sus manías y sus reproches, pero uno más.

Entrega de premios del Concurso "Entre Líneas"

2012-01-24T17:42:00.001+01:00

La entrega de premios del concurso de relatos cortos "Entre Líneas" se hará el 2 de febrero a las 11:30 horas, en el Campus de Fuenlabrada, Aulario 3, Aula 322.

¡Más madera!: Jack y su gemela (Dennis Dugan, 2011)

2012-01-23T15:10:00.001+01:00

Todo queda en familia

M.Mar Osorio

Resulta fascinante pensar en lo que se puede querer a una persona simplemente por el hecho de pertenecer a eso que llaman familia. Sólo un hermano es capaz de hacerte reír cuando dos minutos antes discutía contigo como si de una partida de Street Fighter se tratase; y quién si no una madre tiene la ocurrencia de poner un plato de comida bien caliente en pleno verano y con todo conservar el amor de sus hijos. La familia es ese conjunto de personas que saben sacarte de quicio mejor que nadie y a las que a pesar de ello quieres porque son la sal de la vida. Tal vez Dennis Dugan se encontraba en una cena familiar cuando pensó que aquel escenario tan pintoresco podría trasladarse a un guión en forma de comedia. Sin embargo, lejos de resultar divertida, Jack y su gemela parece un chiste de los malos, uno de esos que provocan un silencio tal que puedes escuchar a los grillos reírse gozosamente de lo absurdo que es suplir la falta de ingenio con cameos de famosos de aquí y allá.

Ni el propio Adam Sandler pensó que un día estaría flanqueado por actores tan distintos como Al Pacino y Santiago Segura. Aunque más impensable aún es que, de entre todos los personajes extraños y singulares que se pasean por este film, un Al Pacino en decadencia sea lo más atrayente. Comprobar que el actor ha dejado la sensatez a un lado para convertirse en un personaje un tanto trastornado puede asustar al principio, pero Pacino no hace sino recordarnos que el talento también reside en la capacidad de asombrar, no sólo en los premios y en las glorias del pasado, y que no hay mejor comedia que burlarse de uno mismo, sobretodo a la hora de tratar con un público cada vez más maleducado - como ya han experimentado Hugh Jackman y la Orquesta Filarmónica. Todo lo contrario pasa con Adam Sandler, que no convence ni en el papel de Jack, por su sosa interpretación y algunas muecas fuera de lugar, ni encarnando a Jill. Es cierto que el personaje femenino provoca cierta simpatía, a pesar de representar al familiar molesto – ya sabemos que a la familia se la quiere a pesar de todo. Pero contemplar durante 100 minutos a Sandler ataviado con ropas de mujer no es más gracioso que ver a un amigo manteniendo el equilibro sobre unos tacones. Cuando la actuación del protagonista puede equipararse a la de Katie Holmes es que algo no va bien.

Y esto es así, Jack y su gemela reúne a un casting dispar porque es una película desigual en la que prácticamente todo y todos pasan desapercibidos, y cualquier reflexión subyacente se echa a perder. Incluso parece que la intervención de Santiago Segura va a dar un giro positivo a la historia, pero nada; “el mallorquín torrentoso” tiene una intervención fugaz y seca, ya no por su corto papel o por su interpretación, sino porque un par de chistes fáciles, unas cuantas escenas escatológicas de esas que siempre funcionan y unos diálogos carentes de gracia anulan la posibilidad de hacer de ésta una película ingeniosa e impacientan al espectador, el cual además de contar las veces que ha reído con los dedos de las manos, se encuentra siempre a la espera de la comedia prometida, en una contrariedad continua sin que su afán de entretenimiento se satisfaga.

Esta vez a la fórmula Dugan – Sandler le falta creatividad y le sobran chistes de pedos. Si bien el film desprende ese cariño que flota en los reencuentros familiares, el amor que te hace perdonar a un hermano cuando te rompe los juguetes y las ganas de reírse de todo - porque nada puede tomarse enserio cuando estás en el cine y a alguien le suena el móvil, o cuando las niñas juegan a ser muñecas - ni Al Pacino ni Johnny Depp vestido con una camiseta de Justin Bieber pueden conseguir que Jack y su gemela trascienda más allá de las paredes del salón, pues ése es el lugar idóneo para verla con un gran bol de snacks variados y rodeado de la familia una tarde de domingo.

¡Más madera!: The yellow sea (Na Hong-jin, 2010)

2012-01-18T15:18:00.000+01:00

Sin descanso, sin piedad y a cuchillo
Por Sara MM. Landrobe

Salvo alguna excepción, los conductores de taxi lo llevan crudo en el cine. No hace falta ir buscando bronca como Travis Bicle en Taxi Driver (1976) para codearse con lo más turbio de la ciudad, el que conduzca puede ser un santo como el de Collateral (2004) y se le acabará subiendo un sicario canoso que no le dará más que disgustos. En The yellow sea llevar a todo tipo de fauna de un sitio a otro puede que sea el menor de los problemas del protagonista, pero de nuevo es el traje de un pobre hombre que se relaciona con lo más bajo de la sociedad y que se acaba transformando en un animal rabioso de esos que se vuelven más fuertes cuantos más palos le pegan. Na Hong-jin construye este thriller sobre el punto crudo del «made in Corea», hábil mezclando bajo el mismo entramado de mafia y corrupción el existencialismo humano con el realismo más primitivo. Buena combinación salvo para quienes no puedan con las sobredosis de tomate.

Bajo el clásico «nada que perder y mucho que ganar» un taxista llamado Gu-nam endeudado, abandonado por su mujer y sin más horizontes que el juego y la bebida, acepta el encargo de un asesinato para saldar sus deudas. Como una sombra entre la multitud y azuzado por el instinto de supervivencia no faltan alrededor de éste la extorsión, las duras travesías de emigrantes ilegales o la miseria que le rodea una vez llega a Corea, dónde, como un furtivo, espía a su presa y anda perdido a su suerte. Este entorno es necesario, pero The yellow sea no es cine social aunque se dibuje cierta denuncia. Na Hong-jin usa toda esa hostilidad como un sustrato donde hacer crecer a su protagonista y retratar sus fantasmas.

La trama toma los esenciales del cine negro y policial: codicia, mafia, extorsión, falsos culpables, traiciones y por supuesto, el giro inesperado y el héroe atormentado que buscará venganza. Lo que le da identidad a la película es la sobriedad y la rudeza con la que avanza a cada paso, pasos que pisan con tanta fuerza sobre el héroe que éste se gana a pulso lo de «bicho malo nunca muere». Esta forma tan fulminante de construir la historia da lugar a una primera parte redonda que sin separarse del protagonista mantiene la expectación a cada minuto, pero que tropieza de lleno en la segunda con demasiados minutos de «todos a por todos», «todos a por Gu-nam» y todos a cuchillazo limpio. Cierto es que las persecuciones son de las que hacen afición y que el director demuestra que sabe lo que hace con un montaje vertiginoso que nada tiene que envidiar a lo mejor de Hollywood, como también lo sabe cuando convierte cuchillos y hachas en el material de trabajo del hampa asiático, dándole el toque áspero que termina de moldear la cinta. Pero abusar de unos y otros hace que pierda algo de fuelle en un intento inexplicable de llegar a las dos horas. Inexplicable porque el guión no necesita de un exceso de carreras y sangre para rellenar minutos, ni del añadido de una subtrama policial que hubiera mejorado la película con el simple detalle de no aparecer.

Puede que el director sea demasiado generoso con la amalgama final de salpicones y hostigamientos -tanto que en algún momento la inmortalidad de los protagonistas se postula como opción-, sin embargo, son flecos que una vez superados por la sonrisa incrédula se convierten en una anécdota que no desmerece el conjunto de la película. El pulso de ésta se mantiene con fuerza y entrelaza de manera brillante la historia principal con un (des)amor que consume al héroe obsesivamente. Eso sí, el cineasta coreano es consecuente con su tono hasta el final, y si Na Hong-jin ha decidido ser sobrio y abrumador, lo es hasta el último fotograma.

Ganadores del concurso "Entre Líneas"

2012-01-17T10:32:00.002+01:00

¡Ya tenemos ganadores del concurso!
Los premiados son:

Primer premio: KAZATWAYIYI de Antonio Costa Rocha

Segundo premio: Ella y él de Cristina Polo Vázquez

Tercer premio: La ropa que dejaste sin doblar de Rebeca Martínez Fernández

¡ENHORABUENA A LOS TRES!

I Concurso de Relatos Cortos "Entre Líneas": lista de premiados

2012-01-13T15:32:00.000+01:00

El día 17 de enero se conocerá el fallo del jurado del I Concurso de Relatos Cortos "Entre Líneas". El palmarés se hará público en las redes sociales y en el Blog de la Biblioteca de Fuenlabrada.

¡Más madera!: El hombre cerilla (Marco Chiarani, 2011)

2012-01-09T16:57:00.001+01:00

Un lugar llamado infancia

Por M.Mar Osorio

Hora de merendar. Antes de que termines de colocar tus libros y cuadernos, tu madre ya ha preparado un delicioso bocadillo para que repongas fuerzas. Con un apetito voraz lo degustas y das el último mordisco mientras bajas las escaleras del portal y sales al encuentro de tus amigos en el parque, donde la imaginación se encarga de convertir la arena en un circuito de carreras y las ramas de un árbol en las puertas y paredes de una casa.

Aquí, en el idílico mundo de la imaginación, es el lugar al que Marco Chiarini nos traslada de la mano de Simone (Marco Leonzi), un niño de once años que vive junto a su padre en el campo y que espera ansioso la más mínima oportunidad de escaparse de las ataduras paternas para salir en busca de El hombre cerilla, un ser fantástico que cumple deseos. Pero Simone no estará solo en el viaje, pues le acompañará un particular grupo de amigos ficticios al que más tarde se unirá Lorenza (Greta Castagna), una niña de la que queda prendado.

Si nos centramos en ese estado perfecto llamado infancia en el que la inocencia campa a sus anchas y en el que fantasía no encuentra límites, resulta fácil conmoverse con la historia que Marco Chiarini nos propone en El hombre cerilla. Es ésta una película discreta, con pocos medios y mucho empeño por parte del director para sacarla adelante, y eso se nota – tanto para bien como para mal. Es incuestionable que los efectos especiales son de una sencillez tal que provocan cierta nostalgia al espectador evocándole recuerdos como las pinturas desgastadas extendidas por la mesa, aquellos dibujos desproporcionados en los que las personas eran más grandes que una casa o esos momentos en los que jugaba a ser detective. En este film no hay ni hacen falta grandes pirotecnias para que el público pronto se identifique con el personaje de Lorenza, para que poco a poco sienta un mayor interés por saber él también quién es El hombre cerilla y se pregunte si le verá aparecer tras el horizonte al quinto día. Pero hay algo más aparte de los efectos porque esta película posee escenas de esas que remueven por dentro y tocan justo en la herida, como en la que Simone se da cuenta de que su madre ya no volverá y decide quemar sus muñecos. Puede que sea ésta una metáfora demasiado gastada y, sin embargo, no deja de resultar desgarradora y enérgica: en esa hoguera no sólo arden El hombre cerilla, El tío Disco o unos trapos con ojos y boca, pues las llamas se llevan las caricias de su madre, su beso antes de dormir y el reino que con ella se creó, ese mundo fantástico en el que nadie muere llamado infancia. Es hora de crecer.

Sin embargo, a este film le falta precisamente eso, madurar. El público recorre el camino junto a Simone, pero no con él: más que un protagonista que nos involucre en su historia y con el que empaticemos, el niño simplemente parece un locutor de informativos que nos pone en contexto y nos cuenta lo que está pasando. Continuamente está mostrando al espectador más y más personajes imaginarios que carecen de interés y que se entrometen en la realidad provocando confusión; juega al despiste llevándole de un lado a otro como modo de distracción hasta que El hombre cerilla aparezca. Realmente es este ser fantástico lo que importa; el resto es relleno, un plano detrás de otro y ya.

Y así nos encontramos en este debut de Marco Chiarini, entre escenas flemáticas con personajes indiferentes y escenas lúcidas por el simbolismo que emanan. Dejando a un lado las primeras, lo que el director propone en El hombre cerilla no es sólo el paso hacia la madurez, es asimismo coquetear con la idea de ser niños otra vez, ya que todas esas imágenes irradian la ternura y la añoranza que produce pensar en la primera vez que montaste en bici, cómo tu madre soplaba con delicadeza en la herida para que no escociera, el miedo que te impedía mirar debajo de la cama o comer golosinas con tus amigos sentados en los columpios. Una película modesta con algún que otro tropiezo – como todo niño cuando empieza a andar - , pero fresca y ambiciosa.

¡Más madera!: Inmortals (Tarem Singh, 2011)

2011-12-22T15:28:00.001+01:00

El Olimpo puede ser terrenal

Por Borja Gallego

Zeus, Atenea, Teseo, Hyperión, si a estos personajes les añadimos titanes y distintas criaturas procedentes de la mitología griega, habrá quien se frote las manos pensando en lo que viene por delante. Si además te la ofrecen como te la ofrecen, es decir, un buen tráiler, una aventura épica, con los productores de 300 (Zack Snyder, 2007), con posibilidad de 3D, etc. Lo mas probable es que como siempre, acabe siendo un rotundo éxito de taquilla, a pesar de que la crítica no la respalde tanto.

Nos encontramos en un período donde están de moda tanto las series como las películas históricas. El fuerte impacto del relato de Leónidas acompaña sin duda el estreno de esta película. Muchos van a verla pensando en que mucho o poco pero se va a parecer a 300. Pero Inmortals no es 300, a pesar de que lo pretenda. Aquí ha primado por encima de todo el cuidadísimo apartado visual, todo es prácticamente perfecto en este aspecto. El mundo recreado por Tarem Singh es formidable, cada detalle está cuidado, las prendas, los escenarios, los acantilados. Todo forma un perfecto conglomerado que permite al espectador adentrarse en ese mundo medio fantástico. He visto varias películas en 3D, y después de cada una de ellas me venía la vaga idea a la cabeza de para que narices la he visto en 3D. Pues con Inmortals me ha pasado lo contrario, por primera vez he descubierto que tiene un sentido y que se puede hacer bien, es la compañía perfecta para el espectáculo visual propuesto por Singh. No es estresante como me parecían las películas vistas en tres dimensiones, aunque el estilo barroco que imprime Singh a su película si puede ser que cargue un poco mas las neuronas de unos cuantos. Pues en ocasiones, tal cantidad de información visual puede repercutir.

El auténtico escollo de esta producción es que después de haber amasado con tanto cuidado todo lo relacionado con el poderío visual, la historia quede en un marcado segundo plano. No es que sea mala, es simplemente vacua, reiterativa, previsible y poco sorprendente, aún así, es ciertamente entretenida. En ese sentido me recuerda un poco Avatar (James Cameron, 2009), que también era absolutamente espectacular el mundo creado por Cameron, pero la historia era la más repetida por todos los cuentos y fábulas que las abuelas cuentan por las noches a sus nietos. Básicamente sería algo así, a ver si a alguien le suena: Chico guapo sufre, busca venganza, encuentra chica guapa, se enamora, hace amigos, se convierte en héroe y… A ver quién adivina como sigue. Si lo aderezamos con una asistencia similar a la de las grúas en carretera por parte de los supuestos dioses del Olimpo, aderezado todo con un malo malísimo al estilo Mickey Rourke, tenemos Inmortals.

La industria Hollywodiense ha encontrado una gallina de huevos de oro, se llama 3D y vende mucho. De hecho estamos casi apuntito de llegar a la línea que separa el hacer una película y a ser posible en 3D, de hacer 3D y si eso metemos dentro una película, total va a funcionar porque es tridimensional. Con esto no quiero decir que Inmortals haya cruzado esa línea, ni mucho menos. Es más, creo que después de verla encuentro más sentido al mundo de tres dimensiones que quieren poner delante de nuestros ojos. El gran acierto será el día en que todas las habilidades que tienen algunos directores de Hollywood para hacer universos visuales tan poderosos estén acompañados de un buen guión, uno de los de verdad, de los que respira cine por los cuatro costados. Hasta entonces, conformémonos pues con la pirotecnia y demás fuegos de artificio para cautivarnos por los ojos, ya nos cansaremos…

¡Más madera!: The artist (Michel Hazanavicius, 2011)

2011-12-16T16:00:00.000+01:00

Sin palabras

Por M. Mar Osorio

El mago pronunció sus palabras y el público quedó absorto, maravillado. Pero no, no fue por ver salir a un conejo blanco de la chistera, pues aquello no era un truco común precedido del tradicional “abracadabra”. Lo que dejó fascinados a los presentes fueron las dos palabras que aquel hombre misterioso les susurró con extrema delicadeza: “The Artist”.

No es para menos, ya que tener la osadía de dirigir una película muda en pleno apogeo tecnológico causa, como poco, sorpresa y admiración. Volver a aquel cine sustentado por imágenes y música, y hacerlo con la maestría que demuestra Hazanavicius no puede denominarse con otro vocablo que no sea magia. Sí, Hazanavicius se me antoja nombre de mago y como suele decirse: “para muestra, un botón”.

Desde el comienzo, el director deja clara su intención de ir hasta las últimas con esta propuesta haciendo un guiño con esa escena en la que George Valentin, interpretando uno de sus papeles, es presionado y torturado para hablar, pero él se niega una y otra vez a hacerlo. Es más, llama la atención que en esos primeros minutos el espectador tenga la sensación de haberse trasladado a los años 20, pues al mostrarnos al público en el cine y estar nosotros mismos también ante una película muda, crea una ilusión fantástica en la que la sala donde nos encontramos parece una prolongación de aquella sala que vemos en pantalla. Poco falta para que los presentes se imaginen ataviados con sus mejores galas como si realmente estuviesen en esa época - una sensación mucho más satisfactoria que la conseguida por las técnicas 3D que tan de moda están. Aquí, en The Artist, no falta ni el director de orquesta.

Sin duda, la primera escena de la película es un aperitivo delicioso de lo que queda por venir porque a partir de aquí se cruzan los caminos de ascenso y descenso de los protagonistas: escalada de Peppy Miller a la fama y decadencia de Valentin hacia la ruina – económica, profesional y personal. Una historia de claros y sombras, de risas y lamentos con escenas notables y llenas de intención como la secuencia del incendio: ¿acaso hay algo más alegórico que quemar los rollos de película? El incendio es, además de la ruptura de Valentin con su antigua vida, una metáfora de la evolución inevitable del cine hacia el sonido; “abran paso a los jóvenes”, dice Miller confrontando lo nuevo (ella) y lo viejo (George). Es más, el protagonista se ve derrotado con la aparición del cine sonoro y Hazanavicius irrumpe en el cine del siglo XXI con una película muda objetando lo que él mismo está desarrollando en pantalla. Una paradoja como prueba de la genialidad de este director, el cual conoce la importancia de maravillar al espectador, pero también la de ser capaz de sorprenderse a sí mismo y reinventarse – y lo consigue indiscutiblemente.

En este film hay drama, pero también se respira una atmósfera de amor y ternura que lo envuelve todo y que se realza con la espectacular interpretación de Jean Dujardin y de Bérénice Bejo. El actor demuestra su lado polifacético pasando de la comedia al drama con espontaneidad, sin sobreactuaciones indecorosas; Bejo, por su parte, da frescura al personaje y encandila con sus aires de niña pizpireta dispuesta comerse el mundo. Asombrosos por separado y mejor aún juntos en escena. Me remito a las primeras líneas: componer la imagen, los tiempos, el drama, dirigir a los actores, etc, como lo hace Michel Hazanavicius en The Artist es magia, un espectáculo en el que el director enreda al público en trucos maravillosos como contradecirse y saltarse esas reglas del cine mudo en las que la música acapara el componente sonoro, o engañar al público censurando su mirada en el punto álgido del drama.

Con esta obra queda patente que las palabras no son imprescindibles para hacer sonreír al espectador, dejarle sin palabras y recordarle por qué le gusta tanto ir a una sala de cine o lo mucho que disfrutaría sentado en una silla con su nombre, dispuesto a dirigir, a crear. Sin embargo, cuando logras adaptar una película muda a los ritmos del cine moderno de tal forma que el espectador, al igual que John Goodman en la escena final, se quede pidiendo un bis, ¿quién quiere una silla? Mejor tener las gafas de Hazanavicius y poder compartir su particular y romántica forma de ver el cine para sentirse artista por una vez.

¡Más madera!: El verano de Martino (Massimo Natale, 2011)

2011-12-09T15:56:00.001+01:00

Un verano para olvidar
Por M. MarOsorio

La memoria es antojadiza, no sólo porque despierta los recuerdos de forma totalmente arbitraria, sino también porque los reconstruye según le viene en gana. Los momentos más felices son versados para grabarse en la mente como una visión fantástica de algo que fue, mientras que los instantes más oscuros y terribles, lejos de poder ser olvidados, aguardan en su esquinita esperando el momento de aparecer y empapar como un jarro de agua helada. Y así es El verano de Martino, el recuerdo frío y amargo de un pasado que fue mejor y que ahora agoniza y se ahoga en el fondo del mar.

Martino (Luigi Ciardo) es un chico de quince años que, tras la muerte de su madre, tendrá que enfrentarse a una nueva vida que solamente será soportable por la constante reminiscencia de su infancia y la aparición de Silvia (Matilde Maggio), la chica de sus sueños – y novia de su hermano. La adolescencia, la pérdida, el amor… Elementos en una escena del crimen donde la víctima es la inocencia, la niñez, porque en esta película mueren la ingenuidad, los recuerdos, el pasado y el presente. Éste es un drama situado en el verano italiano de 1980, donde dos acontecimientos importantes - el derribo del avión DC9 y el atentado a la estación de Bolonia – envuelven la vida de los personajes con pesadumbre y con el mismo empeño que rompen las olas en el mar. Precisamente ahí, al lado del mar, es donde tiene lugar la historia que Massimo Natale nos presenta. En una playa es donde Martino deberá tomar las olas para conquistar a Silvia y “subirse” a la vida como si de la tabla de surf se tratase.

Sin embargo, al igual que el surf, todo tiene su truquillo y El Verano de Martino no es más que una trampa dramática. Aparte de esa metáfora de controlar las olas como a la vida misma, ¿qué hay? Poca cosa. El director sitúa la historia de Martino en un contexto hostil de antemano, pero lejos de hacer converger los sucesos de Italia con la trama del adolescente, más bien las partes quedan unidas como un matrimonio de conveniencia. En vez de darse sentido recíproco, ese 1 de agosto en la estación, ese final es como una especie de zapping en la vida de Martino, como poner el avance del telediario en el clímax de la película de sobremesa de turno. Esa falta de conexión entre ambas tramas provoca perplejidad y decepción (situar la historia en ese espacio-tiempo podría incluso omitirse). Lo que se plantea de mano del protagonista y el resto de acontecimientos no tienen más unión que una fecha y un lugar, y es por esa falta de lógica que este verano desencanta.

Y si bien el hilo de las tramas se rompe, el film también deja pequeños regalos. Tal vez lo que más se agradece es esa recreación visual tan ochentera de un verano cubierto por una capa amarillenta que más que representar calidez y esperanza, encierra todo bajo una atmósfera sórdida y nostálgica. De la misma manera, ese tono ahogado que adquiere el film tiene algo de fascinante debido a que parece que la historia se construye sobre fotografías, como si cada plano fuese sacado de la Polaroid de Silvia – al fin y al cabo, todo es un álbum de fotos. Y a este tratamiento de imagen hay que sumarle las interpretaciones de Luigi Ciano y Treat Williams, ya que cuando están juntos en escena la historia cobra más fuerza por el candor del primero y el peso incuestionable del segundo, que al más puro estilo yankee es como el Horatio de CSI en Italia - cuando se pone sus gafas de sol, sus palabras se convierten en una verdad irrefutable. La relación entre ambos personajes es lo que hace que la trama ande sin moverse de un mismo espacio – qué mejor lugar que una playa para que los recuerdos y los sueños del protagonista mueran como un río en el mar.

Massimo Natale ofrece bellas imágenes en las que el protagonista intenta detener los minutos para que no se escape aquello que sabe que el tiempo y las circunstancias van a arrebatarle. Pero aparte de estas imágenes congeladas como una bella ensoñación, El Verano de Martino es un compendio de elementos unidos sólo por una grata – aunque simplona – fotografía y que están mezclados de la misma forma que Martino acaba confundiendo realidad y fantasía, es decir, sin razón alguna.

¡Más madera!: Si no nosotros, quién (Andres Veiel, 2011)

2011-11-28T15:52:00.001+01:00

Un viaje al despertar

Por M.Mar Osorio

La vida se mueve y te arrastra sin darte cuenta, como si lo único que te atase a la realidad fuese la certeza de sentir el suelo bajo los pies. Sin embargo, un día despiertas y esa sensación ya no está, sólo hay vértigo. Es hora de construir tú mismo el suelo por el que caminas, de emprender el viaje.

Esa marcha es precisamente la que inicia Bernward Vespel en Si no nosotros, quién cuando decide comenzar su propia revolución en la Alemania de los 60, una sociedad donde aún hay rastros de un régimen autoritario, de una ideología que se mantiene latente años después de la derrota. Sus ganas de luchar contra el conformismo generalizado y su dedicación a la literatura le unen a Gudrum Ensslin, una compañera de universidad con la que fundará una editorial política y con la que iniciará una relación sentimental. Poco a poco conocerán a otros escritores con los que continuar su lucha; entre ellos, el rebelde Andreas Baader, quien dará un golpe de efecto en la relación de la pareja.

Pero Baader no pone más que la chispa a toda la pólvora que los protagonistas van acumulando a lo largo del film, pues cada paso que dan en su afán de cambiar el mundo aleja más a Gudrum y a Bernward, les destruye. En Si no nosotros, quién, los personajes no sólo tienen un conflicto, son un conflicto en sí mismos. Esa necesidad de hacer algo contra el aturdimiento de la sociedad y la decisión de empezar una vida fuera del círculo familiar son el inicio del despertar de los protagonistas, que caerán irrevocablemente al vacío por una lanzadera de sentimientos encontrados. El director Andres Veiel les conduce por una senda de anhelos y esperanzas que se ven truncados por el acto suicida de seguir adelante con su causa sin desatarse primero de un pasado que les oprime, que les ahoga y les lleva hasta la pretensión ilusa de querer cambiar el futuro cuando ya se ha renunciado a él.

Es esta una película de transformaciones, más personales que sociales. Por ello, las idas y venidas de los personajes son el punto central mientras que las imágenes de la época se mantienen de fondo, como la banda sonora que lo contextualiza y lo unifica todo. Igual que las fuerzas autodestructivas que mueven a los personajes, el montaje se presenta como el otro elemento indiscutible para enriquecer el film, ya que el espectador recorre estos 124 minutos sin cabecear o llegar al tedio. Ensambladas de una manera muy sutil, esas imágenes en blanco y negro mantienen el ritmo y hacen que la trama de Gudrum y Vespel fluya.

Todo es un conjunto, no hay nada que desentone de manera abrumadora. Quizá parezca que hay demasiados personajes que “entran y salen” de la historia sin llamar la atención y, sin embargo, lejos de hacer flaquear la trama, esto la hace más verosímil: como en la vida, las personas van y vienen, y no todas se quedan, si bien en un principio parecen insustituibles.

Andres Veiel nos lleva de viaje por la Alemania de los 60, pero no a modo de documento gráfico, sino de la mano de Bernward Vespel, el joven universitario que esperaba que sus escritos cambiasen el mundo. Tal vez fuese un idealista, tal vez. Lo cierto es que al redactar su libro titulado El Viaje plasmó la trasformación que estaba sufriendo en su interior; así pudo aceptar a su padre y reconciliarse con su pasado. Un título, por tanto, lo suficientemente represetativo para que haya merecido la pena trasladar a Vespel y Gudrum a las salas cinematográficas. Porque la vida es un viaje – por tierra, por mar y por aire – que no necesita billetes, estaciones ni puertos. Sólo requiere la certeza de que por más países que visites, al igual que el libro de Bernward, el viaje es un texto inconcluso.

I Ciclo de Cine Y Educación

2011-11-23T15:01:00.001+01:00

Dentro del I Ciclo de Cine y Educación, mañana jueves día 24, está programada la película Ni uno menos, del director chino Zhang Yimou.

Esta película de 1999 defiende el acortamiento de los espacios que separan a docentes y alumnos como meta para conseguir el éxito en la enseñanza. La vinculación afectiva entre profesor y alumno, y la percepción del alumno de que los conocimientos son importantes, y aplicables efectivamente, son armas pedagógicas de enorme valor al enfrentar la docencia.

Como valores añadidos, la estética preciosista y envolvente de Zhang Yimou y el trasfondo del modelo comunista en el que se inscribe la enseñanza.

El pase comenzará a las 10 de la mañana en la sala 5 de la Mediateca (Biblioteca del Campus de Fuenlabrada)

Concurso de Relatos Cortos "Entre Líneas": algo de bibliografía (y II)

2011-11-22T21:51:00.000+01:00

Aquí van algunas sugerencias por si queréis leer relatos de autores consagrados que os puedan ser útiles para construir vuestras historias. Son ejemplos de buenos relatos, siempre inspiradores y muestras de qué es lo que se puede hacer manejando palabras e ideas. No hay que tomarlos como modelos, tan sólo como posibilidades. Delante de la pantalla o el folio en blanco cada uno es muy libre de buscar su estilo y reflejar sus propias inquietudes e influencias.

Tomemos como límite los fondos de nuestra biblioteca porque si no, el panorama sería infinito.

Gran inspirador e inagotable fuente de ideas, Jorge Luis Borges, con sus Ficciones o con el más extenso El Aleph, es una parada obligada para el lector de relatos. Quizá recomendaría dejarlo para más adelante, una vez que el lector ya se haya habituado a la extensión y al formato. Pero la parada, debería ser obligada en algún momento. Puede ser más sencillo entrar por las Narraciones extraordinarias de Edgar Allan Poe, por Bola de sebo o El horla y otros relatos de Guy de Maupassant, por Arthur Conan Doyle (El embudo de cuero y otros relatos), Jack London (Relatos, Cuentos de los mares del sur), Robert Louis Stevenson (El diablo en la botella y otros relatos o sus también Cuentos de los mares del sur), o con Ambrose Bierce (El clan de los parricidas y otros relatos). Franz Kafka siempre es un buen terreno donde sorprenderse, y los Relatos de Rudyard Kipling lugares perfectos para perderse. Oscar Wilde y Anton Chejov también ofrecen en sus formatos cortos opciones e ideas para encender la luz que genere un buen cuento y colarse en los Relatos de Julio Cortazar, es tan obligado como la parada en Borges.

Cercanos: Enrique Vila-Matas (Exploradores del abismo), el siempre recomendable don Pío Baroja (Cuentos), Becquer (Leyendas y narraciones) son sólo tres ejemplos muy diferentes de la inagotable fuente de autores españoles que han practicado este tipo de narración breve.

Para terminar: Las mil y una noches son otra fuente inagotable puesto que, al fin y al cabo, la vida de Sherezade, su protagonista, dependía del cuento que cada noche debía contar a su sultán y que cada noche interrumpía, aplazando el final hasta la noche siguiente. Así transcurrieron mil y una noches que consiguió alargar su vida y que dan lugar a esa recopilación de cuentos orientales que van surgiendo uno dentro de otro.

De esa ebullición de cuentos puede surgir la idea para escribir el vuestro y presentarlo al concurso Entre Líneas.

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¡Más madera!: Amanecer (Bill Condon, 2011)

2011-11-21T15:56:00.001+01:00

Bye bye, Bram Stoker
Por M.Mar Osorio

Vampiros. Hablemos de vampiros, seres milenarios de rostro pálido y piel gélida; esos no-muertos que están dispuestos a no dejar ni una gota de sangre en el cuerpo de sus víctimas con un solo mordisco. Y así, enumerando sus espectaculares y mortíferas características, podríamos escribir el capítulo elevado a infinito en lo que a literatura vampírica se refiere, tal vez incluso llegaríamos a crear a un nuevo Drácula. Pero no. Como dice la canción, “ahora que vamos despacio, vamos a contar mentiras”.

Como sus compañeras de la saga Crepúsculo, Amanecer parte I (Bill Condon) se mantiene fiel a su público, por lo que una vez más recorremos esa línea de romances de instituto. De hecho, esta cuarta entrega se mueve durante su primera parte – y ahora más que nunca - entre lo romántico y la comedia de mal gusto, como si humanos, vampiros y hombres-lobo se convirtiesen en hormonas con voluntad propia. De esta forma, el encanto de la primera escena con esa vívida voz en off se rompe cuando a los diez segundos Jacob se quita la camiseta para mostrar de nuevo sus abdominales. A partir de ahí, se suceden una cadena de situaciones y de diálogos absurdos propios de series como Física o Química que impiden a los asistentes meterse de lleno en la historia desde el principio. De acuerdo con que existan vampiros vegetarianos, pasa lo de que sólo puedan jugar al baseball cuando hay tormenta por el jaleo que se forma; olvidemos la brillantina como seña de identidad. Ahora bien, no ensuciemos el trabajo fílmico con conversaciones de botellón.

Pero tengamos paciencia. Después de la luna de miel, la trama da un salto importante para centrarse en aquello que es menester: Bella y Edward deben enfrentarse al inminente nacimiento de una criatura que pone en peligro la vida de la humana; y aquí es cuando tanto personajes como espectadores no tienen escapatoria. Los primeros se enfrentan a un hecho decisivo en sus vidas y los segundos no perderán detalle a lo que está sucediendo en pantalla, pues llegado este punto se abandona cualquier dramatismo desmedido para crear un estado de tensión que capta la atención del público como ninguna de las anteriores entregas lo han conseguido, dejando cierta satisfacción al salir de la sala. Y a ello contribuyen sustancialmente los efectos digitales realizados por John Bruno (Avatar), así como la magnífica caracterización de Kristen Stewart, que con un aspecto anoréxico y completamente demacrado parece un cadáver recién salido de la cripta.

Tres años han tenido que pasar para que llegue esta cuarta entrega, para que Bill Condon (Dioses y monstruos, 1998) lleve la historia a ese punto más tétrico, más “vampírico”, que ya se echaba en falta. El sueño de Bella la noche anterior a la ceremonia, esa montaña de invitados muertos a modo de tarta de boda no sólo es potente visualmente, sino que también posee cierto humor negro que la hace romper con el estilo simplón de las anteriores entregas.

Está claro que la saga Crepúsculo sabe muy bien cómo mantener contentos a los denominados “twilighters” y, a expensas de la última película, no parece que vayamos a salir del patio de instituto ni que las fans vayan a dejar de gritar con cada beso entre los protagonistas. Stephanie Meyer nos ha demostrado que los vampiros no dan miedo, sólo asustan un poquito si te los encuentras por el bosque un día nublado - si luce el sol, brillan más que una bola de discoteca y, claro, así no hay pánico posible. Lejos quedan ya las estacas, las balas de plata y los espejos como medio para desvelar la presencia de un chupasangre. Si el mítico Drácula de Bram Stoker levantase la cabeza, tal vez se revolvería en su ataúd al ver hacia dónde han evolucionado sus herederos y preferiría haberse ido con los lobos a aullarle a la luna.

Sin embargo, es de agradecer que, tras una primera parte aburrida y realmente vergonzosa, el film sea capaz de dejar al público con ganas de ver la última entrega – por cierto, los créditos llevan una escena extra escondida, aguarden en las butacas. Amanecer no se aleja mucho de las otras partes, pero al mismo tiempo tiene su marca diferenciadora. Y es que si el protagonista es un mago, el espectador quiere magia; si hay una princesa, que aparezca la bruja. Y si hablamos de vampiros, qué menos que darle a los asistentes un poquito de sangre. Por ello y dejando a un lado el baile de hormonas, demos una oportunidad a Bill.

(ver más sobre vampiros)

¡Más madera!: Un dios salvaje (Roman Polanski, 2011)

2011-11-18T15:02:00.001+01:00

Perdiendo los papeles

Por Sara MM. Landrobe

Si nos paráramos a pensar cuánto de lo que vemos en cine fue libreto o novela caerían muchos mitos. Cuando se adaptan al cine, este se convierte en el amigo repelente que pocas veces desmejora lo que toca, y aunque regañemos con lo de «el libro era mejor» o «el teatro es otra historia» hay que reconocer que darle cuerpo al papel o andar entre los personajes dejando de ser la cuarta pared -como un voyeur privilegiado- nos gusta a todos. Así adapta Roman Polanski la obra Un dios salvaje (Le dieu du carnage) de Yasmina Reza. Dos parejas en un piso a las que agita como si fueran latas de Coca-Cola, sin darles más maniobra para liberar presión que la de estallar en la cara de los otros tres. Mientras, el espectador deambulará divertido entre ellos con la sensación de poder elegir en que sillón del atrezo quiere sentarse, porque el director se ha tomado muy en serio lo de respetar el libreto y economizar espacios pero consigue darle a la teatralidad el toque cinematográfico, y eso que es, literalmente, la obra llevada al set de rodaje.

Los Longstreet (Jodie Foster y John C. Reilly) y los Cowan (Kate Winslet y Christoph Waltz) se reúnen después de que sus hijos se vean involucrados en una pelea infantil. Una de esas en la que no está muy claro si el que ha salido peor parado es la víctima inicial, pero donde lo que importa a efectos finales es que uno tiene los dientes rotos y el otro sujetaba el palo con el que se rompieron. La reunión de los padres, con fines conciliadores, acaba convirtiéndose en una batalla por defender lo propio, y los dos dientes rotos dan para dibujar un mordiente retrato de nuestra sociedad. Desde el primer momento la cinta es una parodia de las relaciones humanas y del saber estar: el halo educado cuando no tenemos confianza, los silencios incómodos llenos de sonrisas complacientes, conservar nuestro espacio vital, salir de una “pillada” comprometida… Be polite que dirían los ingleses. Pero esto va salpicándose de pequeñas ironías, prejuicios, sarcasmos y juicios de valor que van in crescendo a medida que unos pretenden quedar por encima de otros, y que para divertimento del espectador malvado, acaban despojándose de cualquier tipo de recato social. Los cuatro se convierten en geniales caricaturas de los estereotipos que los respaldan: un cínico abogado pegado a su móvil, una ejecutiva engañosamente comedida, la intelectual activista y el cuarentón que es como un niño grande. Todo esto a golpe de pullas y con carta blanca para mantener espontáneas alianzas según convenga.

Hay una clara intención de mantenerlos encerrados, un elemento que Polanski usa con frecuencia y mucho arte para angustiar al personal en espacios habitables, y que aquí le sirve para confrontarlos rompiendo sus espacios individuales. Cuanto más desinhibidos se muestran, más pequeño se vuelve el campo de batalla, consiguiendo asfixiarlos dentro de un salón donde cada gesto o mirada permanece caldeando el ambiente tanto como las palabras. Por ello extrañan aquellos momentos en la primera parte, en los que la pareja visitante hace amago de irse y dar por zanjado el tema, que es lo mismo que matar al malo al principio de la película: todos sabemos que no va a pasar. Lo que sí sucede entonces, es que la expectativa se centra en saber cuál será el pretexto para volver a meterlos en casa, que sin querer desmerecer al conjunto, no es de los momentos más brillantes. Pero si algo caracteriza a este dios salvaje y desatado de Polanski es que crece a un ritmo vertiginoso. Un estilo que recuerda mucho a Woody Allen -más bien una versión llevada hacia límites insospechados- tanto por el peso que adquieren las interpretaciones como por ese non-stop de elucubraciones, lógicas y sinsentidos que al final lo que persigue es que nos riamos de las contradicciones humanas, y sobre todo, de cómo las apariencias engañan. Ochenta minutos sin descanso y a toda velocidad que acaban sin que nadie se lo espere, con un cierre que nos recuerda que no siempre fuimos tan complicados.

Mundoserie: Deadwood (HBO, 2004-2006)

2011-11-16T19:12:00.001+01:00

Filón de escoria

En 1876, justo después del desastre de Custer en Black Hills, el pequeño pueblo minero de Deadwood está al margen del entramado estatal de Estados Unidos. Se mantiene como un territorio ajeno a toda autoridad externa y es sólo la ley del más fuerte, el más canalla y el más taimado, la que gobierna en la ciudad. Por sus calles deambulan personajes en constante fricción, movidos fundamentalmente por la ambición. De sus conflictos y sus intereses surgen los grupos de poder que van a ir articulando esa ciudad sin ley y sin mesura, convertida en un lodazal inmundo en el que la parte más rastrera del ser humano encuentra su territorio para expandirse y triunfar.

Un panorama turbio, poco alentador para quien busque el lado heroico del western mítico pero, seguramente mucho más cercano a la realidad de aquellos tiempos y lugares donde la vida valía lo que tu capacidad para conservarla. La apariencia caótica de Deadwood contiene la lógica interna de un órgano en fase de desarrollo y somete a sus personajes a tensiones que los hace ser más fuertes y más duros. O sucumbir. Sólo así se puede comprender hasta dónde llega la capacidad de adaptación y supervivencia del ser humano.

La fiebre del oro atrajo a estos puestos avanzados a todos los buscadores de fortuna con la esperanza de llenarse los bolsillos y cambiar su vida. Tras ellos, una incipiente red de comerciantes y aventureros, pero también de rufianes y estafadores, establecieron sus negocios y sus salones para facilitar que ese dinero que surgía de los ríos y la tierra cambiase de manos rápidamente. Unos se aprovechaban de las necesidades operativas ofreciendo maquinaria y servicios para la explotación de las concesiones, otros aprovechándose de otro tipo de necesidades en las que no faltaba el alcohol, el sexo o el juego.

A pesar de la hostilidad del terreno, la fuerza de sus personajes -algunos más que otros- es tan grande que es fácil sentirse a gusto entre esta camada de pioneros . Encontramos a personajes como "Wild" Bill Hicock, Seth Bullock, Calamity Jane, Wyatt Earp o Al Swearengen. Todos y cada uno ellos, merecedores de convertirse en protagonistas principales de cualquier película o novela.

Aunque el supuesto papel principal recae en Timothy Oliphant, interpretando a Seth Bullock como el sheriff vocacional y descontrolable, el verdadero eje de la serie está en el Saloon The Gem y en su regente y gestor Al Swearengen, interpretado por un grandioso Ian McShane. Él es el verdadero protagonista de este retablo de asteroides con rumbos de colisión. Desde la sombra, hace y deshace, ya sean negocios o personas, y sus diálogos y sentencias contienen la pólvora que rara vez se usa en este pueblo para arreglar diferencias (se prefiere el cuchillo). Un personaje redondo, destinado a entrar en el olimpo de los canallas.

Parece que la HBO con series como The Wire, Treme, John Adams o esta misma, bucea por los entresijos de la sociedad norteamericana buscando sus señas de identidad y los rasgos que la definen. Todas, cada una en su época y estilo, buscan comprender un colectivo formado de múltiples razas e influencias y que convergen en la ciudad, bien sea Washington, Deadwood, Baltimore o Nueva Orleans, como cruce de caminos y lugar de relaciones. Un empeño, si es que fuese así, realmente gigantesco pero que a la luz de los productos que van saliendo, promete convertirse en uno de los tratados de historia social norteamericana más entretenidos y apasionantes de los que se han escrito.

Deadwood, consta de tres temporadas de 12 capítulos cada una, y ha sido creada, escrita y producida por David Milch.

¡Más madera!: 30 Minutos o Menos (Ruben Fleischer, 2011)

2011-11-14T14:48:00.001+01:00

Muchos chistes. Poco cerebro
Por Borja Gallego

Confieso que me hacía ilusión ver esta película. El tándem Fleischer-Eisenberg se había ganado con holgura mi crédito después de ver Zombieland (Ruben Fleischer, 2009), pero sinceramente, todo lo que funcionó en aquella simpática aventura con muertos vivientes, esta vez, o bien no lo han aplicado o parece que aquello fue un golpe de suerte. Basta con ver la primera secuencia, que aparece con fuerza y dejando marcas de neumáticos por dónde pasa, pero se estrella directamente tras el primer gag/chiste dónde dos jovenzuelos son engañados de la manera menos creíble que yo he visto en años. Será el preámbulo de una sucesión de gags malos, clichés y chistes de pedo, culo, caca…

Hace unos cuantos años apareció un estilo de comedia nuevo, abanderado por películas cómo Dos tontos muy tontos (Peter Farrelly, 1994). Podríamos llamar a este nuevo subgénero la comedia estúpida. Me refiero a esas películas que abusan constantemente del chiste y que por norma general los protagonistas deben ser mentalmente inestables, o porque no decirlo de otra manera, totalmente estúpidos, de ahí el nombre aplicado a este tipo de comedias, dentro de las cuales se encuentra la obra que nos atañe.

Pero volviendo al tema del protagonista estúpido, no me refiero a Eisenberg, el pobre se mueve correctamente dentro del papel con el que le ha tocado lidiar, que la verdad es el mas serio de la cinta. Son más cuestionables los que rodean la parafernalia. Empiezo por el supuesto mejor amigo de Eisenberg, el indio Aziz Ansari, forzadísimo en todo momento, cumple con todos los requisitos para hacer chistes raciales y culturales, que por supuesto hace, es un total cúmulo de clichés. La pareja de “malos”, es decir Dwayne y Travis, dejan bastante que desear (por cierto son una copia barata de Ferrell y Reilly en Hermanos por pelotas (Adam McKay, 2008)). El personaje de Dwayne interpretado por Danny McBride es más serio, se podría llegar a creer, pero el de Travis, madre mía con Travis. El individuo probablemente más tonto que apareció en una película. Es tan sublime su estupidez que me resulta muy difícil creérmelo y lo peor de todo, es que a pesar de ser soberanamente bobo, es un tipo que sabe fabricar bombas caseras como quién prepara una pizza para cenar. Bien entrada la película, la aparición de Michael Peña si que aporta un poco más de credibilidad a la pandilla de personajes inverosímiles creados por Fleischer, hace las veces de matón latino adecuadamente.

A pesar de todo, la película si tiene una cosa buena, muy buena, un gran acierto. Se trata del escaso metraje, podría parafrasear el título, pero creo que sería un chiste tan fácil como todos los que he tenido que ver durante la hora y casi veinte minutos que dura. La poca duración y el ritmo alto que imprime Fleischer hace que no se haga una película demasiado pesada, que incluso a más de uno le pueda resultar entretenida sin más, para pasar una buena tarde de sábado después de comer, evitando ver los melodramas que repone una y otra vez Antena 3. En fin, para mi no ha funcionado como comedia, porque no me he reído lo suficiente, tampoco es una lección como película de atracos, aunque la escena del robo al banco es la más divertida. No me he creído a la mayoría de personajes. Aunque eso sí, tampoco es que me haya aburrido demasiado, porque no me ha dado tiempo. Sinceramente, 30 minutos o menos no sólo no pasará a la historia, sino que probablemente en un par de años esté olvidada por la gran mayoría de aficionados al cine.

Actualidad: I Ciclo de Cine y Educación

2011-11-09T18:03:00.001+01:00

De esa ebullición de cuentos puede surgir la idea para escribir el vuestro y presentarlo al concurso Entre Líneas.

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Terror clásico (IV)

2011-11-08T16:23:00.002+01:00

Seguimos la serie (previos en Terror clásico I, II y III) con una visita a la guarida de uno de los monstruos más controvertidos (y asquerosos) del panorama terrorífico: los zombis.

Si no fuera porque sus raíces se hunden en la noche de los tiempos, sería cuando menos discutible su inclusión en el terreno de los clásicos, ya que su carta de naturaleza la adquirió en 1968 con La noche de los muertos vivientes, de George A. Romero; una fecha lo suficientemente avanzada en el siglo XX como para poner en duda su pertenencia al selecto grupo de clásicos formado por Frankenstein, Drácula y el hombre lobo.

William Hinzman, el actor que interpretó al primer
zombi, en La noche de los muertos vivientes

A su favor hay que decir que alguno de sus antecedentes ilustres son parte inseparable del imaginario colectivo: El gabinete del Dr. Caligari (Robert Wiene, 1920), La momia (Karl Freund, 1932) con el incombustible Boris Karloff o Yo anduve con un zombie (Jacques Tourneur, 1943) son hitos con la vinculación e importancia requerida para concederle al zombi los papeles de monstruo clásico. Aquellas películas habían ido aportando características al mito, que se materializaría en ese ser informe, torpe y obstinado en zamparse a sus ex semejantes tal y como ahora lo entendemos tras la película de Romero. La noche de los muertos vivientes aporta la primera aparición de un zombi hecho y derecho (deshecho y torcido) y sienta las bases de una interminable lista de secuelas que repiten su estructura narrativa. Rasgo inconfundible de que nos encontramos ante un hito importante.

El zombi es el más grunge de los clásicos y los introduce de su putrefacta mano en la era nuclear. Y es que las radiaciones, bien sean nucleares o venidas del espacio exterior, han tenido mucho que ver en la resurrección de los cuerpos. Los nuevos tiempos de los años 50 y 60 con sus vaivenes espaciales y sus disputas con la amenaza nuclear por medio, contribuyeron a crear el formato definitivo de los zombis. La materia base: el cuerpo revivido, no es materia que le sea ajena ni al romántico Frankenstein, ni al clásico Drácula, aunque éste se mantenga en los terrenos inciertos de la no-muerte. Ya no asusta el hecho de que sean cadáveres que salen de sus tumbas, porque sus antecedentes nos han ido mostrando que eso en el mundo terrorífico era algo perfectamente asumible. Lo que ahora nos asusta es que son muchos -normalmente es una invasión o una plaga-, que es un historia contemporánea y que se empeñan en devorarnos sin reparo. Además, la visión explícita de lo repugnante, el gore, comienza a colarse en el género y a formar una de las características de los terrores modernos. Por eso los zombies son bisagra de dos mundos; tan modernos y transgresores ellos.

Moderno también es su origen multicultural, puesto que la misma palabra zombi, designa en el culto vudú, a los muertos resucitados por un mago para someterlos a sus designios. Un culto que sale de África con los esclavos llevados a América y, desde Haití, se exporta a Europa y a Estados Unidos.

En la actualidad Resident Evil, tanto en la versión juegos como películas, los ha colocado en primera línea de éxitos y por si fuera poco avanzan por el siglo XXI con la serie Walking Dead (AMC, 2010-2011) triunfando en las pantallas de televisión y ordenadores. Así que estos desarrapados del género, cuyo look tan bien casa con la estética en vigor, demuestran que se encuentran en perfecta forma para continuar sembrando el pánico y el caos allá por donde aparezcan.

Y esto de despedida.

¡Más madera!: Melancolía (Lars Von Trier, 2011)

2011-11-07T15:12:00.000+01:00

Lo que el «Dogma» no puede ofrecernos

Por Sara MM. Landrobe

¿«Cine Dogma»? ¿Qué es eso? ¿Debajo de qué pata de banco quedó el Manifiesto del 95? Porque ahí debe quedarse. Es una alegría que Lars lo superara rápidamente y nosotros encantados de hacernos los locos sabiendo que se olvida continuamente de lo que firmó, simplemente porque vale la pena. No aplicar el dichoso Dogma 95 ha sido un acierto tantas veces que los primeros ocho minutos de Melancolía no deberían pillar de sorpresa a los que entren en la sala sabiendo que van a ver al «non grato» de Cannes. Tiene muy poco de «dogmático» pero tampoco es cine clásico de academia, todo hay que decirlo. El Tristán e Isolda de Wagner envuelve imágenes que bien podrían haber salido de un Dalí que soñara pertenecer a la Escuela de Fontainebleau. Inquietante. Y mientras uno mira la pantalla con ganas de entender eso que oyó de que un planeta llamado Melancolía se estrellaría contra la Tierra, pasarán los ocho minutos y no sabrá a qué venía toda esa colección de fotogramas oníricos, pero sí que se ha quedado con la boca abierta. Seguramente también con un gran «¿Pero qué narices…?» en el rostro, porque hasta muy avanzada la película no sabrá de dónde venían todas esas imágenes grabadas a cámara lenta con las que se ha quedado hipnotizado. Cosas de Lars.

Amigo de las trilogías temáticas (Europa, USA, Golden Heart…), uno se pregunta si estamos ante la segunda parte de una nueva llamada Las caras de la depresión, porque el danés vuelve al tema que tocaba en la polémica Anticristo (Antichrist, 2009) aunque esta vez no de forma tan agresiva para el espectador ―nadie tendrá que salir de la sala para recomponerse, prometido―. En ella la culpabilidad y la tristeza ahogaban por la pérdida de un ser querido, es decir, había un motivo. Sin embargo, Melancolía es la pesadumbre inexplicable de la tristeza. No hay razón a la vista y al mismo tiempo todo es una razón, es la pena como una enfermedad mal curada y que desespera tanto como cuando el médico te dice eso de que será un virus. Pero esta pena que sufre una Justine (Kirsten Dunst) que parece la reencarnación femenina del becqueriano Manrique de Rayo de luna, no podía disfrutar de la compasión siendo personaje de quien es, y menos mal, porque compadecer durante dos horas puede ser muy aburrido. Quién mejor que Von Trier con esa maña que tiene mostrando las miserias y bondades del ser humano para hacerla bailar en la inestabilidad prácticamente hasta el final de la película. De hecho no sólo ella, pocos de los que la rodean se salvan de pasar de simpáticos a odiados en algún momento, y siempre con ese toque ácido y casi malvado que tanto parece fascinar al danés aunque solo sea por la cantidad de veces que ha jugado con ello hasta la fecha.

Sin embargo, Melancolía no es sólo el esperpento perverso que protagonizan los personajes de la boda inicial. El filme se construye sobre la oposición de Justine con su hermana Claire (Charlotte Gainsbourg): Una es el hastío ante la vida y otra las ganas de vivirla, una será resignación y otra la desesperación ante la incertidumbre de un posible fin. Y lo cierto es que a pesar de la aparición de un inexplicable momento a lo médium sin el que la cinta gana más que pierde, la tensión contenida que las enfrenta durante la última parte en una espera que las consume lenta y habilidosamente, le da mil vueltas a cualquier superproducción apocalíptica con un final abarrotado de efectos especiales.

Será inevitable ver el simbolismo: un planeta llamado Melancolía avanzando hacia nosotros y amenazando con destruirnos. Como mínimo es poético. El caso es que si no fuera por ese intuido simbolismo podríamos pensar que Lars ha querido hacer una extraña versión a la danesa de Deep Impact (Mimi Leder, 1998). Pero la fama le precede y no sin razones. Si Von Trier decide mezclar el apocalipsis con una boda, una depresión crónica y dos hermanas que son como la noche y el día, adelante. También parecía delirante que una mujer pensara que prostituirse curaba a su marido por intervención divina en Rompiendo las olas (Breaking The Waves, 1996) y lo convirtió en un drama de los que te dejan clavado en el sillón. Esta vez el Manifiesto Dogma sigue calzando el mueble de su televisor, seguramente porque se sabe capaz de conseguir que no parpadeemos por miedo a perder un detalle cuando éste se le olvida, y es que salvo algún plano incómodo, muchas de las imágenes de Melancolía podrían aparecer expuestas en una galería de arte. Tal cual. No hay duda de que ha convertido de nuevo lo extravagante en algo interesante, ni de que con mucho gusto nos podemos hacer una vez más los locos, porque lo que nos muestra en estas dos horas de película no lo conseguiría con dos horas de dogmas de ningún tipo.

Reseña: Man on wire (James Marsh, 2008)

2011-11-04T15:48:00.003+01:00

La vida en el filo

A la vista del cartel de la película es obvio que no ejerzo de spoiler si digo que el protagonista al final lo consigue. Es un hecho que en 1974 el funambulista francés Philippe Petit recorrió el abismo que separa las Torres Gemelas de Nueva York caminando sobre un alambre de acero anclado a cada uno de los extremos de las torres.

Es un hecho que lo hizo y que vive para contarlo.
Son él y los compañeros que le asistieron en su aventura, quienes nos relatan los eventos que les llevaron a realizar su proyecto. El proceso, como la vida, es en realidad el verdadero documental de esta performance en la que se juntan una serie de elementos que nos sitúan ante algo mayor que la hazaña en si misma. Está en juego la forma de entender la vida, la importancia de la determinación para conseguir lo que se desea y los elementos que componen la expresión artística.

Es obvio que un material así, excepto en el caso de que el receptor sea una ameba o algo similar, no puede dejarnos indiferentes. La reconstrucción nos transmite de forma precisa la tensión y emoción de esos momentos y lo hace uniendo oníricas imágenes que recrean los momentos de preparación con, sobre todo, imágenes reales de los momentos clave y de la trayectoria vital del funambulista,

Tras su primer asalto a Notre Dame de París, a los puentes de Sidney y a otros monumentos singulares, Petit ve en las Torres Gemelas el objetivo de su vida artística, el culmen de su carrera. Él expresa perfectamente ese momento en que el objetivo se le presenta como una obligación a cumplir "era algo que estaba ahí, que le molestaba". Algo que se impone y no se puede rechazar. Terrenos inestables por los que se mueve la condición artística. ¿Es arte este tipo de acción? Creo que la respuesta la encuentra cada uno después de asistir a ese paseo a 500 metros de altura.

Accesorio al contenido del documental, aunque obviamente juega su papel en la película, impresiona ver la construcción de las Torres Gemelas a principios de los años 70. Que sean ellas, una vez que conocemos su final trágico, las que con su presencia desafíen al artista, dan al documental una fuerza incalculable. Esta cima de la creación humana sobre la que el funambulista pasea, funciona como una rica metáfora en la que encontramos múltiples aplicaciones y apela directamente a nuestra capacidad de soñar y de crear, de vislumbrar entre la realidad un territorio donde alcanzar lo inalcanzable.

¡Más madera!: Eva (Enrique Maíllo, 2011)

2011-11-03T17:21:00.001+01:00

¿Sueñan los humanos con personas mecánicas?
por Borja Gallego

En ciertos momentos Eva recuerda algunos de los relatos de Philip K. Dick, el gran maestro de la ciencia-ficción escrita, lo cual, por qué no decirlo, me parece bueno. Se mueve por los mismos tejemanejes que sus obras, trabajando las relaciones entre autómatas y seres humanos (sin dejar de lado los conflictos internos que rondan los pensamientos de cualquier sujeto). Hablamos de autómatas con memoria emocional y una programación tan compleja y elaborada que su mayor equivalencia estaría directamente en la mente humana.

Todo comienza porque el erudito de la robótica, Alex Garel, regresa a su pueblo, que le vio nacer y crecer. Huyó de allí años atrás, dejando todo de lado, familia y proyectos. Pero hay cosas de las que no se puede huir por muy lejos que uno vaya. Este motivo y una oferta de trabajo más que interesante será el pretexto para regresar. Alex será el encargado de elaborar el programa emocional de un niño-robot. Pero no uno cualquiera, debe ser uno divertido, debe ser único. Su musa será una traviesa y magnética niña llamada Eva. Que resulta ser la hija de David (el talentoso pero no tan reputado hermano de Alex) y Lana (su primer y probablemente único amor). Además convivirá con Max, un divertido y alegre androide que hará las veces de mayordomo, cocinero, etc.

Maíllo se mueve de manera muy inteligente tratando de que su película no sea sólo para seguidores del género. La coherencia del relato permite a muchos poder verla sin quedarse perplejos cada vez que aparezca un gato robótico o un holograma sobre la mesa. Ambientada en un futuro relativamente cercano, el año 2041, no abusa a la hora de mostrar cachivaches y tecnologías que cualquier fanático del mundillo desearía adquirir ipso facto, más bien todo lo contrario, prácticamente todo resulta creíble. Los acontecimientos se van desarrollando con una configuración realista. Lo malo que algún detalle puede ser un poco previsible. Pero desde el aprecio que el protagonista siente hacia sus creaciones, como el triángulo amoroso que surge, están bien construidos. Es una historia real, ambientada en un mundo inexistente cómo es el futuro, pero no por ello deja de ser creíble lo que está contando. Creo que ha sabido encontrar el equilibrio entre una historia fantástica y una historia cotidiana. Aplicando tintes de una y pinceladas limpias de la otra. Consigue algo bastante destacable, con ingenio y eficacia, ha elaborado una película de robots española y agradable.

Por tanto, teniendo en cuenta que la mayor parte de la película la maquinaria no sean más que acompañamientos, como el gato o el mismo Max, si que hay algunas escenas importantes que hacen que no nos equivoquemos al señalar a Eva cómo una película de ciencia-ficción. Aunque ese doble juego, tratando de abarcar la fantasía robótica y las relaciones humanas de lo más cotidianas funcione correctamente, la pura esencia de la hipótesis de la obra va mucho más allá que el simple vínculo que puede existir entre individuos. Un par de secuencias son las que nos sitúan en ese conglomerado cristalino (muy bonito por cierto) que construye las emociones y sentimientos de las conciencias artificiales y que lleva a cuestionarnos el verdadero nexo que puede haber entre un ser humano y un simple pero único robot. Una unión que puede hacerse mayor si la soledad interior que uno siente, provoca cierta dificultad para tener relaciones humanas normales. Y por eso mi pregunta es: ¿Sueñan los humanos con personas mecánicas?

Actualidad: I Ciclo de Cine y Educación

2011-10-26T16:07:00.000+02:00

Dentro del ciclo de Cine y Educación, mañana día 27 de octubre se proyecta, en la Mediateca de la Biblioteca de Fuenlabrada, la película Diarios de la calle, de Richard LaGravenese. La película es una coproducción de 2007 entre Alemania y Estados Unidos y está basada en el libro The freedom writers del colectivo Freedom Writers y Erin Gruwell. Un relato basado en las experiencias como profesora de instituto de Erin Gruwell y su lucha por conseguir captar la atención de sus estudiantes en un conflictivo contexto social.

El pase comienza a las 10 horas en la sala 5.

Aperturas extraordinarias por exámenes curso 2011-2012

2011-10-24T19:50:00.000+02:00

En este enlace podéis encontrar los horarios de aperturas extraordinarias de las bibliotecas de la URJC para este curso 2011-2012.

http://bibliotecablogurjcsc.wordpress.com/2011/10/24/calendario-de-ampliacion-del-horario-de-las-bibliotecas-de-la-universidad-rey-juan-carlos-por-examenes-curso-academico-2011-2012/

¡Más madera!: Transgression (Enric Alberich, 2011)

2011-10-24T18:26:00.000+02:00

Ladrones y traidores

por M.Mar Osorio

Una furgoneta blanca está aparcada en la calle como un vehículo más. No parece haber nada extraño o anormal en ella que pudiese levantar alguna sospecha… Hasta que llega la noche y cuatro ladrones con pasamontañas salen de su interior para irrumpir en la apacible vida de una familia, haciendo de aquel momento un recuerdo imborrable. ¿Pero qué pasa entonces?

Esta pregunta se plantea en Transgression, donde un apartamento de lujo, un matrimonio en apariencia sólido y un grupo de ladrones profesionales (al menos en su mayor parte) son los componentes con los que Enric Alberich crea una masa casi perfecta de desconfianza, sospecha y traición que llevará a todos los personajes, incluso al más incauto, a revelar su peor lado llegando hasta el punto en que la línea que separa a ambos bandos se va disolviendo poco a poco para finalmente esfumarse.

Al salir en busca de un thriller, los elementos que suelen presentarse son intriga, violencia - ya sea física o psicológica – “policías y ladrones”, etc. Si esto basta para decir que estamos ante una película de dicho género, entonces Transgression no está inventando nada y parece reunir las condiciones para garantizar al espectador una sesión de suspense. Sin embargo, al director no le basta con plantear una mera situación de supervivencia y lleva al público un paso más allá creando unos personajes sombríos y egoístas, de manera que ya no se puede hablar de “buenos y malos”, sino que el abanico de caracteres que encontramos va desde el malo al peor. Y esta propuesta de Alberich merece un aplauso aunque sólo sea por su intención de introducir una escala de grises en un género donde suele haber víctimas y culpables, pero en el que a menudo se echa de menos el plantear el hecho indiscutible de que, como en la vida misma, no rigen los extremos. Así nos hallamos indagando en la psicología de los personajes, en esa caja de secretos que guardan en algún rincón y que antes o después deberá ser abierta para quitarles la máscara de hipocresía y revelar su verdadera cara, la de traidores que desconfían hasta del que tienen al lado. Esta es una película de personajes en la que dispuestos a ser juzgados, ¿quién es más ruin: el ladrón que busca dar el gran golpe o aquel que antepone el contenido de la caja fuerte por encima de cualquier otra cosa?

Como se ha dicho, es de agradecer que el director intente sacar a los caracteres de su habitual envoltorio, pero el problema viene cuando la intención se queda a medio camino y la historia pierde fuerza porque los personajes no dejan de ser puros clichés. Por ejemplo, no faltan el ladrón racional, el impulsivo, el sádico y el inexperto; lo mismo sucede con la familia, un matrimonio de buena posición que no sabe cómo dominar a un hijo mimado y que solamente es ideal y estable cuando se esconde tras los lujos. Si se trataba de ir más allá, estos arquetipos impiden cualquier ruptura, novedad o marca diferenciadora, por lo que no deja de ser un thriller más. Por lo tanto, nos encontramos ante una “transgresión” sin madurar que parece incluso rozar lo absurdo en algunos momentos, como en la resolución de la trama sin ir más lejos, donde los ladrones “pierden el encanto de ser los malvados” y se vuelven casi vulnerables.

Y si bien no llega a saltarse las normas, el film regala una puesta en imagen sensacional, así como la lucidez y la energía de las actuaciones de Maria Grazia Cucinotta (Elena) y Fabio Fulco (Ivaylo). Por el contrario, Yon González desafina con su interpretación al parecer un aprendiz de ladrón más bobo que inocente metido en el cuerpo de un macarra de barrio; mientras que Carlos Bardem debería plantearse volver a papeles como el chivato carcelario porque resulta patético en su representación de “el santo entre los malos”.

Transgression es un thriller de personajes traidores y oscuros que pretende cazar al público con unas dosis de suspense y juego psicológico, aunque el paso hacia delante que da dentro de su género es discreto y no lo suficientemente grande para permanecer en la memoria del espectador. Transgresión es quizá una palabra demasiado larga para definir una mera intención, una idea que no llega a desarrollarse y plasmarse en la pantalla.

¡Más madera!: Intruders (Juan Carlos Fresnadillo, 2011)

2011-10-17T15:50:00.004+02:00

Necesitas un psicólogo, "Carahueca"

por M.Mar Osorio

Tarde de cine, la cartelera espera a que el público se decida mientras un delicioso olor a palomitas lo envuelve todo. Ya con las entradas en la mano, el espectador se dirige a la sala y comprueba que sólo hay un par un par de filas libres – suelen ser las dos primeras. El género, el director, el argumento, el reparto… Alguno de estos elementos o quizá la suma de todos ellos oportunamente presentados como un paquete con un gran lazo rojo sea lo que ha convocado a tantas personas allí; el hecho es que ante tal escena – en un acto de optimismo suicida – resulta difícil imaginar que “la película se atreva” a decepcionar a tanta gente, la cual confía en que ese tiempo de esparcimiento sea compensado con un mínimo de espectáculo. Sin embargo, cuando en vez de un drama, obtienes ciencia ficción; cuando vas en busca de un thriller y encuentras una comedia, es casi inevitable pensar en la frase “lo sabía”; y todo gracias a que alguien olvidó hacer los deberes y prefirió bajar al parque a jugar, dejando su guión inacabado y animando a la risa a asustar al propio miedo.

Sí, un guión incompleto, mutilado, truncado. Eso es Intruders, una historia llena de intenciones que no conducen a ningún lugar que no sea el diván del psicólogo. Y no es por una cuestión de desequilibrio mental, es debido a que tras ochenta minutos enseñando a un monstruo y ofreciendo escenas de auténtica tensión en las que el espectador permanece inmóvil, Fresnadillo (Intacto, 28 semanas después) decide que es “hora de acabar” y resuelve la trama en un par de líneas insustanciales. Resulta increíble e insensato que un proyecto en principio tan poderoso pueda ponerse la zancadilla a él mismo y hacer un roto en el bolsillo del espectador, no por el dinero de la entrada, sino por la sensación de que se le ha robado el grandioso tercer acto, el clímax final que le erice los vellos y le marque. El dolor, el desasosiego que provoca saber que no somos propietarios ni de nuestra propia existencia y que aquello que más queremos nos puede ser arrebatado, ese sentimiento de pérdida que cobra vida en la imagen mediante la creación de un ser que no es más que una sombra de nosotros mismos, se va por el desagüe en el momento en que el protagonista pone cara a viejos traumas. Tal vez habría que aconsejar el abandono de la sala en cuanto el espectador ate cabos o, como poco, antes de las dos últimas escenas porque parece que a Juan Carlos Fresnadillo le pasó como al niño de la historia: tiene un gran cuento entre las manos, pero no sabe cómo acabarlo y es otro (su madre) quien pone el final - aunque es mejor pensar que tuvo un mal día a que necesitó la vana ayuda de otra persona. Es como si el director abandonase “su gorra y su silla” por unas gafas y un cuaderno para hacer de la película una sesión de terapia; pero aquí no basta con contar qué le pasa al personaje porque ya sabemos desde la primera escena que debe enfrentarse a “su monstruo”. Lo que queremos ver es cómo le planta cara y resuelve la situación de una forma casi heroica, no con unas instrucciones de psicología barata que funcionan como una tirita que permite pegar el final con el resto del film sin que ambas partes lleguen a unirse nunca.

Detalles como cerrar la historia con una escena algo ridícula que, lejos de ser poética, bien podría ser un anuncio de zapatillas de deporte, sólo consiguen arrancar las risas de los asistentes. “Carahueca” se acercaba más y más y más… Pero el espectador no se asustaba ni le temía. ¡Pobre monstruo! Estaba dormido hasta que alguien pronunció su nombre… ¿Quién se atrevió a despertarle?

Actualidad: I Ciclo de Cine y Educación

2011-10-14T15:43:00.000+02:00

Actualidad: nace la revista index.comunicación

2011-10-14T15:21:00.000+02:00

Os informamos de una nueva revista de caracter científico organizada por los departamentos de Comunicación I y II de la facultad de CC. de la Comunicación de la URJC.

index.comunicación es una revista científica en Comunicación Aplicada. En un sentido estricto se entiende por tal aquellos modos que, a través de la ingente cantidad de canales antiguos o nuevos de información, pretenden un objetivo preestablecido, un logro. Entendemos como Comunicación Aplicada la que se orienta a un fin y es práctica comunicativa aquellos ejercicios y técnicas capaces de lograr esa finalidad.

La revista dará prioridad preferente a los trabajos de investigación en esta materia.

Del mismo modo, la revista aceptará trabajos de reflexión que, dentro del contexto de revisión por pares establecido, supongan una aportación de calidad en el ámbito de las Ciencias Sociales y, más concretamente, de la Comunicación. Al igual que los trabajos de valor empírico y los artículos de investigación.

http://journals.sfu.ca/indexcomunicacion/index.php/indexcomunicacion/index

Belén Puebla Martínez

Mundoserie: The wire (HBO, 2002-2008)

2011-10-13T20:25:00.001+02:00

Reflejos de ciudad

En 5 temporadas, 60 capítulos, The wire coloca a Baltimore en el epicentro del cine negro y nos introduce en la ciudad por medio de las unidades policiales en su lucha contra el narcotráfico. Un comienzo no muy diferente a otros si no percibiéramos que los diálogos y las escenas poco tienen que ver con el nivel medio de la programación televisiva. Este arranque, se va alejando del estereotipo de cine policial y transformándose en una disección del entramado social de Baltimore desde múltiples puntos de vista hasta formar un todo interconectado. Todo encaja, como dice uno de sus personajes.

De la lucha entre policías y narcos de la primera temporada, pasamos a los problemas asociados al puerto de Baltimore en la segunda temporada. De las luchas por el poder político en la tercera a los problemas con la educación y la familia en la cuarta. Y, por último, se añaden los conflictos vinculados al cambio de modelo de negocio en los medios de comunicación. Pero no son temporadas ni escenarios aislados. Todo se relaciona y todo suma. Ese es el acierto de los guiones: la meticulosa planificación del argumento y los excelentes diálogos que lo sustentan, algo en lo que David Simon, su creador, es experto.

No estamos ante la típica serie que nos lanza cebos falsos para engancharnos a un espectáculo efímero y superficial. Percibimos que su trama no contiene maquillajes, que conocemos a los personajes en toda su miseria y su grandeza y con ellos avanzamos capítulo a capítulo contemplando pedazos de sus vidas. Conseguir semejante naturalismo es de una complejidad enorme y la clave es el nivel de compromiso del equipo y fundamentalmente de los actores y directores.

Es una serie exigente para el espectador, no te puedes sentar a que te den el trabajo hecho porque te demanda que sigas las razones y los indicios que pueden tener relevancia (o no). La confianza que produce el saber que estás en buenas manos, facilita hacer el esfuerzo. Que la audiencia no marque los saltos de guión o que los personajes no evolucionen al capricho de guiones absurdos, es algo impagable.

Y si es exigente para el espectador también debe ser incómoda para algún estamento social porque paradójicamente es una serie que no tiene un solo Emmy, tan sólo dos nominaciones al guión en cinco temporadas. Curioso. Parece que el compromiso y la denuncia siguen sin tener buen mercado.

La ciudad conformada de individuos y colectivos que se entrecruzan en sus calles y despachos, es el principal protagonista de esta película de 60 horas. Nosotros, espectadores privilegiados, asistimos a sus evoluciones protegidos detrás de una pantalla de cristal para intentar descifrar las complejos juegos de poder de una sociedad salvaje.

Actualidad: nace la revista Comunicación 21

2011-10-11T19:17:00.001+02:00

COMUNICACIÓN 21 es una revista dirigida por Profesores de la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid, aunque se trata de un grupo abierto a la colaboración con otras universidades y entidades.

Por la presente le comunicamos el nacimiento de la revista COMUNICACIÓN 21, con ISSN 2174-7253, en formato digital y con una periodicidad semestral, en torno al mundo de la comunicación, la cultura y los medios, que ha puesto en marcha un grupo de profesores del Departamento de Comunicación II de la Facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid. El primer número ya se puede ver aquí. El próximo estará listo en Abril de 2012. Estas páginas están a su disposición por si considera de interés enviar sus originales.

NÚMERO 1, OCTUBRE DE 2011

Wikileaks, el periodismo tradicional y las nuevas plataformas de información

El nacionalismo irlandés y las vinculaciones con el fenómeno terrorista en el film “Michael Collins”, de Neil Jordan

El héroe trágico / democrático, o lo posible contra lo necesario en “Studio 60″, de Aaron Sorkin

Comunicación simbólica del concierto sinfónico

Periodismo y literatura: La delgada línea roja que separa la verdad del poder

Todos artistas, todos excluidos: el reflejo de la exclusión social del artista en el cine

Los sobretítulos como herramienta de comunicación en la ópera actual

Spin Multimedia, S. L.

Concurso de Relatos Cortos "Entre Líneas": algo de bibliografía (I)

2011-10-05T17:27:00.004+02:00

Os ofrecemos un poco de bibliografía de apoyo para aquellos y aquellas de vosotros que estéis atascados o queráis profundizar más en la técnica de vuestros relatos. Quizá alguna lectura de este tipo pueda dar luz a la forma de encarar vuestra historia.

En primer lugar, diccionarios, diccionarios de todo tipo. Repertorios, diccionarios temáticos, enciclopédicos, etimológicos, de ideas, científicos, técnicos, de argot.... Son fuente inagotable de inspiración y un seguro contra las dudas ortográficas. El papel facilita el "perderse" entre palabras, pero los diccionarios on-line tienen la virtud de la rapidez en la consulta. A gustos. Una gramática o libro de estilo a mano es también una ayuda para las eternas dudas que se plantean al escribir.

Periódicos y prensa en general. Otra fuente constante de posibilidades ya que la realidad casi siempre supera a la ficción.

En cuanto a libros específicos de práctica literaria, os damos pistas de algunos que tenemos en nuestras bibliotecas:
La magia de escribir, de José Antonio Marina y Ana de la Válgoma
Un taller de escritura en la red, de Teresa Bordón.
El compañero del escritor, de Martin Roth.
Manual para cuentistas, el arte y el oficio de contar historias, de Teresa Imízco
Gramática de la fantasía, introducción al arte de inventar historias, de Gianni Rodari
Cómo crear personajes de ficción, de Jean Saunders

Otros libros de creación literaria que os pueden ser útiles:
Ejercicios de estilo, de Raymond Queneau (Madrid, Cátedra, 1989)
Escribir: un juego literario, de Ana Franco (Madrid, Alhambra, 1988)
Guía del escritor aficionado y profesional, Ediciones de Escritura Creativa Fuentetaja (Madrid, 1999)
El oficio de escritor (Selección de Ana Ayuso), Ediciones de Escritura Creativa Fuentetaja (Madrid, 1998)
La práctica del relato, de Ángel Zapata. Ediciones de Escritura Creativa Fuentetaja (Madrid, 1998)
Teoría y técnica del cuento, de Enrique Anderson Imbert (Barcelona, Ariel, 1992)

Y como leer buenos cuentos y buena literatura en general, es la mejor manera de encaminarse por el relato, en la próxima entrega os damos unas referencias de escritores que cultivaron el relato corto.

¡Más madera!: Los tres mosqueteros (Paul W.S. Anderson, 2011)

2011-10-03T17:15:00.000+02:00

Tantos cuentos cuento...

por M. Mar Osorio

Habla la leyenda de tres hombres valerosos que velaban por la seguridad del rey de Francia y que estaban dispuestos a dar la vida por su país si el antojadizo destino así lo determinase. Se comenta que no había ciudad en el mundo en la que encontrar a un rival que pudiese batirles, tal era su ingenio y su destreza con la espada, y que aún se hicieron más fuertes cuando un joven gascón llamado D´Artagnan se unió a ellos al grito de “Uno para todos y todos para uno”. Habla la leyenda y dice la gente, aunque siempre se cuenta de forma diferente, tanto que a veces el propio sentido de la historia se pierde. Los tres mosqueteros es uno de esos relatos que siempre gusta escuchar (o ver, en este caso), pero esto no significa que haya que versionarlo hasta la saciedad, hasta el hastío mismo del público – ¿noventa años de películas, series y dibujos animados sobre lo mismo no son suficientes? Son tantas las adaptaciones que se han hecho que ya sólo queda esperar que una nave espacial aparezca sin ton ni son en plena batalla para llevarse al capitán Rochefort a otro planeta.

Tal vez Paul W.S. Anderson (Resident Evil) estuviera en su casa pensando en una gran idea que filmar cuando encontró un block con chistes y el libro de Alejandro Dumas en un estante. “¿Por qué no?”, se preguntaría; y no es algo que haya que reprochar, pues novelas como Los tres mosqueteros han nutrido en muchas ocasiones al cine de romances y aventuras de esas que hacen que el espectador mire fascinado la pantalla. Sin embargo, esta moderna versión de D´Artagnan y los tres espadachines desfila ante nuestros ojos pavoneando de tecnología y de un reparto de renombre, dejando un regusto insípido y una sensación de esas que “ni frío ni calor”. Es de agradecer que el director haya querido hacer un lavado de cara a la novela de Dumas empleando para ello el humor y el 3D, pero más allá del simple entretenimiento y unas caras conocidas, no hay mucho más. Las tramas se suceden con ritmo sin dar lugar a bostezos, mas el público no obtiene otra emoción que la indiferencia que se origina cuando una producción barroca se olvida de la historia, dejándola en un segundo plano. Asimismo, se llega a un punto en que el espectador pestañeará confuso porque algunas escenas le remitirán indiscutiblemente a Piratas del Caribe, como el momento en que los elementos se alinean para presenciar una batalla entre los dirigibles/barcos.

¿Mosqueteros o piratas? ¿O mosqueteros-piratas? Cierta confusión animada también por la presencia de un Orlando Bloom con aires y gestos de Sparrow. Podría decirse que a Bloom le viene perfecto el papel de Buckingham porque su carita de niño pillo ayuda mucho a la hora de interpretar a un duque canalla y seductor, aunque de poco sirve esto si tu personaje simplemente se pasea sin pena ni gloria por los escenarios, no por ser un secundario, sino por tener una presencia notable al principio que se va apagando a lo largo del film. Todo lo contrario pasa con Christoph Waltz, algo discreto, pero siempre impecable y aprovechando su habilidad para hacer de malvado; cuando está en escena, eso ya es otra cosa... Y no podemos dejar a Logan Lerman (Percy Jackson, Gamer), que encarna con carisma al joven D´Artagnan y dota a su personaje de la ilusión y la gallardía propias del chiquillo que abandona su hogar para emprender decidido su camino. Él y sus compañeros de pelea ofrecen una actuación generosa que acapara la mirada de los presentes.

Además de unos mosqueteros bien elegidos, Anderson nos deja otras joyitas como el vestuario y las localizaciones que, situadas principalmente en Alemania, son de una belleza inmensa. El mercado en el que coinciden Porthos, Athos, Aramis y D´Artagnan es digno de admirar, al igual que los decorados interiores, como la gran sala blanca del Cardenal Richelieu con ese suelo a modo de maqueta.

Y aún más se apreciaría este trabajo si tal vez se hubiera descartado el 3D. Salvo por una estética introducción en la que nos sitúan la historia haciendo un recorrido por el mapa de Europa y se va presentando a los protagonistas, la tecnología se desperdicia en el restante 90% del film, no contribuye a nada, no hace que las batallas y explosiones sean más espectaculares ni que las peleas cuerpo a cuerpo sean especiales. Si usar el 3D tenía el objetivo de hacer una versión de Los tres mosqueteros para las nuevas generaciones, lo que parece es que este despliegue digital simplemente presume de ir a la moda, como Buckingham: bajo la excusa de “una nueva y grandiosa experiencia cinematográfica”, se empeñan en producir más y más films en 3D. Pero ésta es una película sin más, con un par de chistes, un reparto de portada y aeronaves que parecen barcos pirata. A lo mejor hay esperar a la enésima adaptación para encontrarle sentido a esto del 3D – cuando en vez de barcos y dirigibles haya naves espaciales, y el cardenal Richelieu tenga la piel de lagarto.

¡Más madera!: The Help / Criadas y señoras (Tate Taylor, 2011)

2011-09-30T20:19:00.000+02:00

Tardes de Bridge y pastel de chocolate

por Borja Gallego

Tate Taylor quiere llevarnos de paseo por unos ambientes algo conocidos. Hablo de esas pequeñas poblaciones cercanas al Misisipi, donde durante mucho tiempo y por motivos raciales, muchos seres humanos sufrieron tratos vejatorios y todo tipo de ofensas. Bajo estas circunstancias, aderezadas con una dosis de humor, se desarrolla la historia que nos ocupa, donde tres mujeres guiadas por el rencor, pretenden dar un sopapo al sistema que soportan y poder afrontar cada día con un poco más de optimismo.

En realidad Criadas y señoras no trata nada nuevo. Pero si aporta una renovada chispa, que dota a sus engranajes del vigor necesario para que se apliquen a pleno rendimiento. No hablamos de una comedia al uso, aunque haya más de una secuencia muy divertida. En ella conviven el humor, a veces gamberro, casi de American Pie (Paul Weitz, 1999) con la formalidad y algunas escenas en las que es mejor tener una cajita de pañuelos cerca. Y es ahí donde acierta, en ese contraste entre actitudes tan dispares. A mi me ha complacido el pasar de una profunda risa, a veces carcajada, a sentir frustración y rabia hacia alguna bellaca, o conmoverme por la disposición de algunas honorables personas. Quiero resaltar a Minny Jackson, es genial, tanto el personaje como Octavia Spencer interpretándola. Y no olvidarnos de las ganas que se te quedan de probar su pollo frito y no tanto su tarta de chocolate. Y la fría y calculadora Hilly Holbrook, conspirando detrás de las cartas en sus partidas de Bridge, y es que desde su primera aparición queda totalmente retratada. Creo que le he cogido tirria al Bridge y eso que nunca he jugado. Estupendo trabajo de Viola Davis, en un tono mas serio que la cinta, que a pesar de acertar aportando puntos cómicos, quizás por momentos abusa un poco.

El metraje es algo excesivo, se podrían suprimir sin ningún miedo alguna que otra escena y así, aquel que esté pensando en renovar el parquímetro, pueda centrarse tranquilamente en la entrañable historia que tiene delante. El escollo de la duración, provoca que alguna secuencia se tambalee y puede resultar pesada, menos mal que Taylor, que también ejerce de guionista, ha sabido reconducir la situación colocando después divertidas situaciones, evitando que lo pienses demasiado.

Pero a fin de cuentas no es una película excesivamente reivindicativa, con un poderoso mensaje, aquellos de los que sales dolido de verdad por la existencia de algunos seres humanos. Mas bien se queda en la superficie, un poco al estilo Disney. Ese estilo orientado hacia los pequeños de la casa, donde los que son buenos son buenísimos y los malos muy malos y además no pasa nada excesivamente desagradable o hiriente. Por decirlo de alguna manera, todo es de color rosa. Así que Criadas y señoras quedará como una digna película, entretenida y graciosa sobre el racismo sureño norteamericano, cuya clasificación por edades sólo permite verla a los mayores de trece, aunque yo creo que podría ser hasta para todos los públicos. Porque no pasará a la historia como una épica obra que trata con dureza algo tan execrable como el racismo, mostrando la cruda realidad. Sino que más bien quedará en eso, una tierna y apetecible película familiar.

Concurso de Relatos Cortos "Entre Líneas"

2011-09-28T15:20:00.001+02:00

Mínima modificación en las bases del concurso.
Los alumnos deben indicar, junto con sus datos personales, los estudios que están cursando.

Aquí tenéis las bases.

Especial: 59 Festival de Cine de San Sebastián

2011-09-26T17:10:00.005+02:00

Epílogo

Atrás quedó el Festival con las polémicas aún revoloteando por los retales de alfombra roja.

La decisión del Jurado representa el consenso que han conseguido alcanzar entre ellos y poco más.

No pienso decir nada en contra de Isaki Lacuesta porque me parece de los directores más interesantes del panorama europeo (dicho queda), pero concederle precisamente a esta película la Concha de Oro...se me hace por lo menos cuestionable. Entiendo eso de querer posicionarse como un festival que valora el riesgo y la experimentación, pero sucede que no es un festival especializado. Resulta ser el único festival de cine de serie A en nuestro territorio, lo que quiere decir que es un festival competitivo y no especializado. ¿Por qué entonces buscar semejante brecha entre público-crítica y Jurado?

Un vistazo a las películas premiadas en los festivales internacionales de este año indica que, en mayor o menos medida, hay una conexión con el sentir del público espectador. Se han premiado películas igualmente experimentales (El árbol de la vida en Cannes), o arriesgadas (Nader y Sirin, una separación en Berlín), pero accesibles para el gran público. Y eso que Malick lo pone difícil.
Me fastidia que la película de Isaki Lacuesta esté en medio de esta controversia.

Y ¿qué decir del premio a la película de Filippos Tsitos? Si hay dos premios con los que no coincido son con el Premio al Mejor Actor y al Mejor Director por la película Mundo Injusto. No me extenderé más de lo que ya hice en su día. Si hay un premio que podía ser adecuado para esta película es el del guión, pero vamos, que no me toquen a Kore-eda, que su Premio al Mejor Guión es el único que se ha llevado.

En cuanto al Festival en sí, creo que todo a su alrededor ha sido exitoso. Se consolida como un festival que las distribuidoras extranjeras perciben como clave para acceder al mercado español y sirve de marco para cerrar proyectos de colaboración con latinoamérica.

El apoyo popular es mayoritario y el impacto en la ciudad y alrededores muy positivo por la creación de riqueza, puestos de trabajo y proyección exterior. Esperemos que no se den pasos atrás en la trayectoria.

Nos vemos el año que viene.

Especial: 59 Festival de Cine de San Sebastián

2011-09-26T11:14:00.001+02:00

Día 9

Vamos con el último día, aunque sea con retraso, para comentar tres películas interesantes que quedaban para el final.

La primera es Drive del danés Nicolas Winding Refn, director de la trilogía de Pusher que ganó el Premio al Mejor Director en el pasado Festival en Cannes. La película se recibía con expectativas dado su curriculum y contribuyó a subir la adrenalina del público que no había acudido a las proyecciones de American Way of Death. Es un thriller muy inspirado en las películas de los años 80 y 90 americanas, mezcla de cine negro y carretera, con toques Tarantino. No se sabe si es una película europea a la americana o una película americana con rasgos europeos, pero te lleva a ritmo trepidante a lo largo del metraje. El resultado final es el de haber pasado un buen rato de entretenimiento. Sin más.

La última película de Zabaltegi que competía al Premio del Público (y que merecidamente se lo llevó), era The Artist, de Michel Hazanavicius. Genial homenaje a la época de transición del cine mudo al sonoro allá por finales de los años 20. El protagonista, Jean Dujardin, que se llevó el Premio al Mejor Actor en el pasado Festival de Cannes, interpreta a una superestrella del cine mudo (una mezcla de Rodolfo Valentino y Douglas Fairbanks) que se ve desbancada por otra emergente actriz del sonoro. Película muda, con muy breves apuntes sonoros y banda sonora de acompañamiento. Cine dentro del cine.

Si hacer una película muda y en blanco y negro en plena era de efectos digitales, 3D y sonido Dolby Stereo no es arriesgar, ya me contaréis... y además se lleva el Premio del Público. Convendría pararse a pensar en muchas pelis actuales qué aporta esconderse detrás de la avalancha de efectos.

Para terminar y como fin de fiesta, se programó la francesa Intocable, estreno mundial de la película dirigida por Eric Toledano y Olivier Nakache, basada en hechos reales. La trama gira en torno a la relación que surge entre un multimillonario tetrapléjico parisino y un inmigrante recién salido de la cárcel que vive en los suburbios. La casualidad hará que el inmigrante se haga cargo de los cuidados del millonario con lo que trama y conflicto están servidos. A partir de ahí, la película es una divertida y emocionante comedia en la que se ponen de manifiesto las grandes diferencias que separan a estos dos mundos. Se cruzan miradas: el mundo marginal visto desde los barrios altos, y la alta cultura vista desde la precariedad. Además, y el título hace referencia a ello, se trata un tema tabú tan sensible como la tetraplejia, y se hace en forma de comedia. Inteligencia, humanidad, falta de complejos y un acertado casting (François Cluzet y Omar Sy) son las garantías de esta película.

Seguro que se convierte en uno de los taquillazos de la temporada.

Y esto es todo, ya sólo quedaba conocer el Palmarés de esta 59 edición y así quedó la cosa para sorpresa de muchos excepto del Jurado.

Concha de Oro para Los pasos dobles de Isaki Lacuesta

Premio Especial del Jurado a El Skylab, de July Delpy

Concha de Plata al Mejor Director a Filippos Tsitos por Mundo injusto

Concha de Plata Mejor Actriz a María León por La voz dormida

Concha de Plata al Mejor Actor a Antonis Kafetzopoulos por Mundo injusto

Premio del Jurado a la Mejor Fotografía a Ulf Brantas por Happy end

Premio del Jurado al Mejor Guión a Hirokazu Kore-eda por Kiseki / I wish

Especial: 59 Festival de Cine de San Sebastián

2011-09-23T18:18:00.002+02:00

Día 8

Vuelve el sol y comienza la traca final de estrellas que llegan para despedir el Festival. De nuevo se llenan las salas y empiezan a manejarse quinielas sobre los posibles veredictos del jurado.

En boca de todos Kore-eda, Coronado, María Leon e Inma Cuesta (La voz dormida de Benito Zambrano). Yo añadiría las actrices de Sangre de mi sangre, y a Aracelia Rodríguez de Las razones del corazón de Arturo Ripstein.

La película de Ripstein es un planteamiento muy teatral, basado en el trabajo con los actores y con diálogos que no dan respiro, al más puro estilo Ripstein. Rodada en blanco y negro, en tres o cuatro sets y con escasos actores que componen una tragedia griega en la que sólo falta el coro. Según el autor, es Emma Bovary la inspiración de su relato. Una mujer insatisfecha y frustrada que aspira a conseguir su porción de gloria en forma de amor. Una vez más estamos a vueltas con la edad, las relaciones de pareja, el paso del tiempo...temas eternos y recurrentes que dan lugar a formas infinitas. La tragedia existencial de esta mujer se precipita tras el rechazo de su amante, excusa para poner poner de manifiesto las diferentes necesidades y la forma de entender las relaciones de cada sexo. Potente y recomendable. Su público no estará entre los más jóvenes pero sin duda tendrá su audiencia fiel.

La siguiente película en Sección Oficial ha sido la griega Mundo injusto de Filippos Tsitos. Dista años luz de convertirse en el Kaurismaki griego, ya que a veces es lo que parece que pretende. Al margen de ciertos rasgos estilísticos similares, poco más hay parecido. Si a cada plano de esta película le quitamos la mitad de duración, creo que empezaríamos a acercarnos a una película a tener en cuenta. Están muy bien las transiciones causa-efecto, tienen su gracia si las utilizas bien, pero su reiteración hace que se pierda la frescura, que se convierta en previsible. Tiene gracia el arranque de la historia en que dos policías se dedican a entender las razones de los malos, empatizan con ellos de tal manera que les resulta imposible condenar. Son la vía de escape de los delincuentes por accidente. El problema fundamental de la película es el ritmo. Si no hay ritmo, todo contribuye a que se desmorone más fácil. Pierdes la mano de quien te lleva y eso que el director es consciente de que tiende esa mano al espectador. Una mano que abre la película construyendo dioramas, poniendo las pequeñas figuras en su sitio.

El uso de buenos recursos no siempre da lugar a un buen resultado.

Especial: 59 Festival de Cine de San Sebastián

2011-09-23T11:51:00.001+02:00

Día 7

Entramos en la recta final del Festival con las pestañas quemadas y estragos en las filas de las primeras sesiones de la mañana. Más de un cuello va a tener que pasar por la sala de masaje para reponerse de los esguinces cervicales provocados por las cabezadas.

Americano

En Sección Oficial, hemos visto Americano, la ópera prima de Mathieu Demy, hijo de Jacques Demy y Agnes Varda. La película es el viaje al pasado de Martin para cerrar las heridas que la muerte de su madre ha dejado abiertas. En este viaje por Los Ángeles y Mexico, irá descubriendo a su madre y su propia identidad. Aunque la película camina un poco titubeante, termina arrancando y en una mezcla de estilos te lleva por terrenos a veces un poco insospechados. Todo el tema de relación materno filial, queda enmarcado en la decisión con su pareja de tener hijos o no. A pesar de lo confusa que es por momentos, tiene un pase.

El Havre

Tras la terrible, por dura e intensa, Sangre de mi sangre de Joäo Canijo y la comedia familiar fallida Los Marziano, de Ana Katz, hacía falta algo que balanceara de nuevo mi contador. Y en esto que acude al rescate el siempre fiable Kaurismaki con su última película El Havre. Esa mezcla de surrealismo, teatralidad, comedia y drama resulta entrañable. Su uso de los espacios off, sobre todo en las secuencias que contienen violencia, sus personajes, sus secundarios... son un terreno en el que da gusto estar. Además, esta película parece un homenaje a las películas francesas de René Clair. Esos ambientes portuarios y pendencieros son terreno abonado para situar historias llenas de humanidad. Kaurismaki juega e invita al espectador a que te unas a su inteligente juego de artesano . Su artificio contribuye a quitar hierro al drama y a dar cabida a la comedia sin que por ello tengamos la sensación de encontrarnos ante una obra menor.

Sangre de mi sangre

Comienzan a darse premios y la iraní Nader y Simin una separación se lleva el Premio TVE- Otra Mirada 2011 con mención especial a la portuguesa Sangre de mi sangre.

¡Más madera!: Tree of life / El árbol de la vida (Terrence Malick, 2011)

2011-09-22T23:45:00.001+02:00

6 personas

por José Cabeza

Fueron 6 personas. Primero una. Se fue rápidamente, como si acabara de robar algo. Luego 4 más, éstas más bien desfilaron, pavoneándose un poco para que la sala entera entendiera su marcha como un manifiesto en contra de lo que estaban viendo. En la última no me fijé, su salida ya era rutinaria. Supongo que alguna de las 6 personas que abandonó su butaca antes de la primera hora de película, es decir, un 19% de los que estábamos en el cine (me dio tiempo a contar a todos los espectadores, porque por entonces transcurría una escena con dinosaurios –sí, he dicho dinosaurios- y a mí no me gustan esas escenas a no ser que las haga Spielberg y tenga al lado un bol de palomitas, de esos que puedes hundir la mano enérgicamente y nunca llegas al fondo). Como decía, algunos de esos 6 vencidos pensaría que ya había visto suficiente simbolismo y planos acuáticos, quizás creerían que estaban en el acuario o, peor aún, viendo Waterworld (Kevin Reynolds, 1995). Y es que el señor Malick es como querer ver en una carretera en un día de niebla: intentas abrir bien los ojos por tú bien, pero nadie te puede negar que es difícil. La película empieza puro Malick, piensas que si tuviera que filmar a alguien lavándose los dientes a las siete de la mañana después de una noche de farra también sería algo poético. ¿Y eso está bien? Si lo hace Malick seguro que sí, pero que nadie intente hacerlo en casa, por favor, sobre todo, con un tema como el de El árbol de la vida. ¿Cuál es? Algo así como decirle a Dios: Señor, si tú eres omnipotente, cómo carajo llegas a ser tan ineficaz. Si en una película Malick habla con Dios hay que venir preparado, es decir, ser paciente. 6 personas no lo fueron. Vale que alguna me podría decir que estaba harta de bonitos planos de magma “¿Qué es esto? ¿Una clase de ciencias?” No, todo lo contrario, aquí Malick habla de una naturaleza que no se puede ver ni en un buen documental de la BBC, habla de la relación entre el hombre y el misterio que le rodea y le quema: ¿por qué tiene que morir alguien que no merece morir? ¿Alguien merece morir? Contar eso con imágenes y que todo parezca unido, como en un bloque de hielo, es tremendo; otro en su lugar solo alcanzaría a hacer un videoclip ultramoderno, amanerado y vacío. “¡Parece que estamos en el planetario, pero sin narrador!” se lamentaría algunos de los 6 escapados. Bueno. Podría ser. Pero éste es Malick, ¿demasiado grandilocuente? A veces, sí, pero nadie es perfecto “¿Pero de qué va esto?”, se quejaría alguno; cierto, más de uno. A ver, entiendo que nadie se sitúe mucho en la primera hora, pero luego hay personajes, hay historia, hay esperanza. “Esto no avanza”, diría el último que se fue, el que más aguantó, pasado ya el desierto de esos sesenta minutos ¿No avanza? Digamos que se mueve como un señor mayor que no tiene prisa por ir a ningún sitio porque ya ha estado en todos los lugares. No creo que contraten a Malick para hacer guiones de videojuegos, pero nadie sabe filmar una mano, un pequeño pie de bebé o el Big Bang como lo hace él, y si eso estanca la historia… por un día no importa –pero solo por un día-. Supongo que las 6 personas que se fueron no lloraron, la pérdida de 7 euros no merece tanto, ni siquiera en crisis, pero yo sí lloré, ni mucho ni poco, pero profundamente, porque Malick llega con fuerza, como un golpe de azada. Aún así entiendo a esa media docena de espectadores que desistieron: pagaron por ver una película y El árbol de la vida no es una película, solo es una forma de recordarnos qué tenemos y qué no tenemos. Si por lo menos lo hubieran avisado en la entrada…

Especial: 59 Festival de Cine de San Sebastián

2011-09-22T23:34:00.001+02:00

Día 6

Hoy, y para variar, me centraré en la película que más me gustó de ayer miércoles. Si, como decía Cortazar y extrapolándolo al cine, la novela y el largometraje se pueden permitir ganar a los puntos, el cortometraje y el relato breve deben hacerlo por knock out. Pero ¿qué pasa con un largometraje que te deja KO según comienza? ¿cómo puede continuar la pelea cuando ya te han dejado sin aliento a las primeras de cambio? Esto es lo que ocurre con Tiranosaurio, una película del director Paddy Constadine, Premio a la Mejor Dirección en la competición internacional y Premio Especial del Jurado para sus dos protagonistas, Peter Mullan y Olivia Colman, en el pasado Festival de Sundance.

Joseph, un viudo alcoholizado y sumido en las tinieblas más espesas, consigue establecer contacto con una ayudante social. De esta relación, supuestamente maniquea y obvia, se desgrana una de las historias más conmovedoras y contundentes que se han visto por el Festival; de hecho se ha situado en segunda posición en el Premio del Público. Sin búsquedas de redención ni bajadas a los infiernos, porque en ellos estamos.

Se comprende que tenga más aceptación Y ahora ¿dónde vamos? , la primera en la lista del Premio del Público, pero, para mi, está muy por encima de la de Labaki. Es una película honesta, sin ningún tipo de guiño para ganarse al espectador. No hay nada que no salga de las entrañas de los personajes y de la esencia de la propia película. Implacable en guión y ritmo y siempre con un fondo de luz, que es lo que te hace mantenerte en pie y seguir recibiendo. Pero lo bueno es que semejante avalancha de realidad, casi naturalista, tiene esperanza y trata al espectador como un adulto, sin sacarse superhéroes de la chistera, tan sólo Joseph, un alcohólico que patea el lado oscuro de la vida al dictado de su particular coherencia.

Especial: 59 Festival de Cine de San Sebastián

2011-09-21T20:24:00.004+02:00

Día 5

Ayer fue día de sobredosis cinematográfica y casi todo de una calidad más que razonable. Cuando se ven tantas películas seguidas es difícil ponerlas en su lugar. Hay películas que necesitan su tiempo de reflexión. Luego, cuando las ves por separado, toman su verdadero lugar. Viene esto a cuento porque pensaba que no todo lo de ayer merecía la pena, pero va a ser que la gran mayoría sí.

Empezaba la jornada con Kiseki / I Wish de Hirokazu Kore-eda, uno de los directores, desde ya, de cabecera de este blog. Si habéis visto Nadie sabe o Still walking ya sabréis de la debilidad de este hombre por la familia y por su visión desde el punto de vista infantil. En este caso, vuelve sobre el mismo terreno, planteando una historia que se lanza por el conflicto que supone para dos hermanos el hecho de vivir alejados por la separación de sus padres. La lógica de los chavales más la teoría de que la energía resultante del cruce de dos trenes bala, puede ser capaz de obrar milagros, hace que los dos se pongan en marcha para solucionar los problemas que les angustian. Tierna, emocionante, divertida... un gusto de película.

Para continuar, y quitarnos la cara de felicidad, pudimos ver El invasor de el belga Nicolas Provost. La película es una reflexión interesante sobre la inmigración y los conflictos que plantean la convivencia en las sociedades urbanas (Bruselas en este caso) de un primer mundo, sofisticado y despiadado, con un tercer mundo necesitado y utilizado. Bastante inquietante.

Si el otro día no podía decir muchas cosas positivas de la película de Sección Oficial de Isaki Lacuesta, hoy sí que puedo hacerlo sobre la otra de Lacuesta que se pudo ver en Zabaltegi El cuaderno de barro. Este documental surge de la colaboración con Miquel Barceló y se centra en la performance que junto al coreógrafo Josef Nadji hacen en un pueblo de Mali. Tremenda fuerza visual tanto por el concepto de la performance como por la forma de llevar a cabo la película. Conceptos como los límites del arte efímero, la integración del artista en la obra o el paso del tiempo como elemento constituyente están presentes y crean una obra muy rica y sugerente.

Johnnie To, uno de los directores chinos más interesantes de cine policíaco, presentó Life without principle en el que desarrolla una historia circular con el tema de la crisis económica de fondo y las consecuencias que ésta tiene en las personas comunes. Para complicar más el tema, las mafias chinas y los prestamistas, tampoco ayudan a facilitar las cosas. Una película bien resuelta, muy dinámica y que pone su grano de arena al darle un puntapié al sistema bancario. También Kore-eda hace un guiño en este sentido. Parece que se ha convertido en tendencia.

Por último, quería comentar el proyecto Puzzle Loved, una experiencia de la ESCAC (Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya) en la que 13 directores juntan sus 13 propuestas diferentes en un mismo proyecto sobre una pareja de estudiantes y la relación de amor entre ellos a lo largo de 13 meses. Interesante, fresco, quizá muy marcado por esa estética tan en boga de colores subidos, ritmo de videoclip y pesonajes excesivamente cool. A pesar de esto, un producto muy bien cuidado y que arriesga y va más allá que los habituales proyectos de las escuelas de cine.

Mañana más

¡Más madera!: Son of Baylon (Mohamed Al Daradji, 2009)

2011-09-20T20:20:00.000+02:00

El flautista del Kurdistán
por Borja Gallego

Ahmed es un joven kurdo de doce años, que junto a su abuela, también kurda, emprende un largo y dificultoso viaje atravesando un Irak marcado por un clima posbélico, dónde la hostilidad está a la orden del día y cuesta encontrar alguna dosis de solidaridad. Un sinuoso recorrido con un objetivo claro. Para el crío, encontrar a su padre. Para la abuela, volver a ver a su hijo.

Al Daradji se ha acercado mucho al fango, pero lo ha pisado con seguridad, sin mancharse demasiado. Se ha ceñido a muchas de las pautas básicas del género y cuando ha pretendido alejarse, ha mantenido siempre una distancia de seguridad. Quiere agradar a todos los posibles, procurando no salpicar más de la cuenta. Necesita un poco más mordiente y tocar las narices al personal. Nos muestra un poco la ocupación norteamericana, a través de ciertos quehaceres y algunas funciones que desempeñan sus soldados profesionales. Pero pudiendo hacer cierta crítica a la situación, llevando algunos hechos a puntos más radicales, se contenta simplemente con mostrarlo de manera fugaz y ciertamente vacía, sin que podamos apenas hacernos una idea de la nueva situación del país, sólo una vaga sensación del control que tienen los yanquis. Supongo que si hubiera deseado mostrar un mensaje contundente, habría arriesgado más, con un tono más hiriente y porque no decirlo, más realista. Pero decide mantener cierta compostura, para muchos respetable. Haciendo así, que sea mayor número de público el que pueda quedar satisfecho.

Volviendo a la senda de las pautas genéricas, sobre las que Al Daraji se mueve con soltura. Cabe decir que recurre a patrones cómo la abundancia de travellings y planos de paisajes. Mediante los que si consigue llevarnos con cierta habilidad hacia los áridos desiertos iraquíes. Unos son más desoladores, otros emanan cierto optimismo. En alguno en concreto se llega a ver el oasis en medio del desierto, un lugar de anhelo por tiempos de paz y seguridad. Tampoco podían faltar algunos memorables acompañantes eventuales, que sin tener una extensa duración en pantalla, pueden decir tanto o más que los protagonistas. Aunque bien cierto es que podría haber sacado más partido de la relación de la abuela de Ahmed con alguno de los secundarios. Sobre todo con el ex soldado, que meditabundo y pesaroso, intenta subsanar sus errores del pasado. Pero desde luego no es amargo el sabor que dejan.

Debo recalcar cómo consigue con destreza que logres una gran familiaridad con Ahmed, el protagonista, que a pesar de su corta edad, se pasea por un Irak devastado en compañía de su abuela sin atemorizarse por nada. Mientras que aquí, muchos de los chavales de su edad juegan a la PSP y apenas corren por los parques, allí recorren mil kilómetros sin mayor entretenimiento que una flauta y una chaqueta. Tampoco digo que haya que llevar a los chavales con siete años a la mili, pero el proteccionismo occidental está dejando las mentes anestesiadas. Y Ahmed, que vive con bastante despreocupación la situación, nos permite por momentos mantener un halo esperanzador. Porque para él, lo complicado es encontrar a su padre, nada más. Y es como afronta el viaje, con una inocente ilusión, jugueteando con la flauta que perteneció a su padre. Que le transporta por momentos a lugares de calma y alegría. Situaciones de sosiego que no hacen más que aclarar el oscuro entorno que les rodea. Del que Ahmed se mantiene al margen, pero no su abuela. Ella si es consciente de la tozuda realidad, y asume las posibles consecuencias con sobriedad y firmeza. Un trabajado contraste que marca el desarrollo de los acontecimientos, cimentado en dos generaciones muy distintas. Una, la de la abuela, basada en la añoranza del pasado y la resignación por agotamiento. Mientras la de Ahmed, se mantiene con hambre de futuro, de cimentar las nuevas bases y afrontar con euforia todo lo que venga por delante. Personas de la valentía de Ahmed y su abuela, se merecen un olé, al menos de mi parte.

Especial: 59 Festival de Cine de San Sebastián

2011-09-20T20:06:00.000+02:00

Día 4

Ayer fue día de documentales. Por la mañana, Isaki Lacuesta en Sección Oficial, nos propuso Los pasos dobles una de sus películas a medio camino entre la realidad y la ficción, que ha surgido de la colaboración con Miquel Barceló.Un director muy interesante que conviene seguir atentamente pero que en esta película, te deja un poco frío.

La tarde prometía después de la pequeña decepción matinal. Para empezar, se presentaba en Zabaltegi la incursión en el Crazy Horse parisino de uno de los oráculos del documental puro, Frederick Wiseman y su Crazy Horse. Explosión de sensualidad, erotismo y elegancia que el director realizó en el tiempo que el celebre cabaret llevaba a cabo un proceso de renovación interna. De hecho parece que el documental forma parte de la campaña. Si hay que ponerle un pero, quizá sea la extensión del metraje (qué raro) ya que pueden sobrar un par de números musicales. En cualquier caso, un placer verla, ya que el director no escatima en explotar hasta el extremo al voyeurista que lleva dentro.

Pina de Wim Wenders ha continuado con el programa de documentales y además compartiendo el tema de la expresión corporal desde otra vertiente. La película en 3D es un homenaje a la coreógrafa alemana Pina Bausch y se centra en torno a la Tanztheater Wuppertal, la compañía que ella fundó. En torno a números de la compañía, se intercalan opiniones y recuerdos de sus componentes sobre Pina Bausch y el resultado final es una experiencia sensorial muy sugerente e impactante.

La noche cinematográfica se cerró con una visita al ciclo American way of death, para ver la película de Sean Penn The indian runner, un thriller de 1991, traducido aquí con el lamentable título de Extraño vínculo de sangre. Una película que desde luego te mantiene en tensión y con los ojos abiertos por muchas horas de cine que lleves encima. Disecciona crudamente las relaciones de una familia de principios de los setenta tras la vuelta de un jovencísimo Viggo Mortensen del frente en Vietnam. Una de esas joyas que se pueden descubrir con estas retrospectivas.

Un anticipo de cómo van las puntuaciones para el premio del publico: de momento va en cabeza y destacada la película de Nadine Labaki ¿Y ahora dónde vamos?, seguida por el documental Pina y en tercera posición Simin y Nader, una separación, la película iraní Oso de Oro en Berlín.

Es todo por el momento. Mañana cuento lo que he visto hoy (¡además del sol!) que va a ser mucho e interesante.

Especial: 59 Festival de Cine de San Sebastián

2011-09-19T13:28:00.001+02:00

Día 4

Sin tregua.
El mar parece que reclama su cuota de atención porque ha decidido sumarse a la fiesta intentando saltarse sus límites.

Glenn Close se llevó su Premio Donostia de camino a los Oscar y buena parte de los agobios de ayer han desaparecido con el principio de la semana. De todas formas, es un gusto ver cómo toda la ciudad participa de las sesiones. Además de profesionales y prensa, las salas están abarrotadas y los carteles de no hay billetes, se cuelgan con regularidad. Es lo bueno de este Festival. No sólo es punto de reunión y encuentro profesional, sino que hace llegar a un público más y más entendido trabajos internacionales que de otra manera serían muy difícil de disfrutar. Y el público lo respalda. No olvidemos que muchas de las películas vienen sin el apoyo de una campaña de prensa previa y que, muchas de ellas, no pertenecen al circuito de cine comercial y mayoritario. El público quiere ver cine, independientemente de donde venga y muchas veces sólo guiado por unas breves líneas sobre su trama o su ficha técnica. Ese es el gran éxito de este Festival.

Ayer, por ejemplo, me pasé por el ciclo del director francés Jacques Demy y pude disfrutar de la película Lola, su primer largometraje, realizado en 1961 y en blanco y negro. Pues bien, lo que sobre el papel y dada la oferta, puede ser poco atractivo, el público lo respaldó y la sala estaba llena. Se reconoce la calidad y se valora. Y no es para menos. Jacques Demy hacía un cine musical y lleno de colorido. Sus personajes, a pesar de vivir en situaciones difíciles y de estar empeñados en encontrar un amor que les esquiva, irradian una positividad y alegría que se contagia. Su película comienza con la cita "llora quien puede y se ríe quien quiere" y ese pensamiento es el que va a impregnar su cine. Más tarde evolucionará su estilo desde la nouevelle vague de Lola hacia el musical de Los paraguas de Cherburgo o Las señoritas de Rochefort con su explosión de color, música y coreografía.

De momento es todo, con Wiseman y Wim Wenders, esperemos una tarde interesante. Seguiremos contando.

Especial: 59 Festival de Cine de San Sebastián

2011-09-18T18:43:00.002+02:00

Día 3

Sigue la lluvia y el viento. ¿A quién le importa? Las sesiones del fin de semana están llenas de público y prensa. Esperemos que con el principio de la semana haya menos agobio en las salas.
Ayer llegó Glenn Close para presentar la película Albert Nobbs del director colombiano Rodrigo García y para recoger el Premio Donostia. La llegada de estrellas de estas magnitudes hace que el Festival se tense y que las ruedas de prensa se conviertan en una locura de medios. En esta película Glenn Close da vida a Albert Nobbs, camarero de un hotel dublinés de finales del siglo XIX. Toda su vida ha llevado una identidad fingida y la casualidad va a hacer que esa impostura tenga que salir a la luz. Un papel que puede llevarle a competir por el Oscar 2012.

Añadir leyenda

Me quedaban pendientes unas palabras sobre Bertsolari de Asier Altuna. Para los no iniciados, los bertsolaris son improvisadores de rimas sobre un tema que se les impone y que puede ir desde el fuego a cosas tan variopintas como llegas una noche de borrachera y confundes tu cama por la de tu abuela (sic). A partir de ahí tienen unos 15, 20 segundos para pensar y montar las rimas que han de cantar y modular. En el País Vasco, además de en los encuentros con los amigos, se hacen competiciones oficiales de bertsolaris. La última edición congregó a 14.000 personas de todo tipo para escuchar los retos de los participantes. El documental camina por este rico terreno para investigarlo desde diferentes vertientes: antropológica, linguística y creativa y de la mano de algunos de los principales bertsolaris, muy bien elegidos, intentamos comprender el terreno resbaladizo por el que se mueven: son creaciones efímeras que se gestan a la vista del público. Muy ilustrativo su cartel. El documental tiene momentos emocionantes y aporta información muy interesante desde el punto de vista antropológico. Sirve también para ilustrar el momento actual por el que transita la sociedad vasca.

Sarah Polley, directora de
Take this waltz

Interesantes también estas dos películas que tratan de un tema semejante entre sí pero diametralmente opuestas:Take this waltz de Sarah Polley (su segundo largometraje como directora y actriz fetiche de Isabel Coixet) y la iraní Nader y Simin, una separación de Asghar Farhadi, Oso de Oro en el festival de Berlín. En la primera, una pareja sometida al desagaste del paso del tiempo comienza su lenta agonía cuando una tercera persona aparece entre medias. Nada nuevo bajo el sol, ni especialmente llamativo para un planteamiento. Su riqueza, cuestiones estéticas aparte, es la profundidad de las cuestiones que plantea y la crudeza con que contempla el día a día de esa relación. Casi como una entomóloga. Una visión indie, quizá demasiado indie, de la crisis de pareja.

Nader y Simin, una separación

La iraní, sin efectos y al más puro estilo austero de esa cinematografía, nos convierte en jueces de una historia de crisis conyugal. Los actores explican ante nosotros las razones que les llevan a tomar la decisión de separarse y será esa decisión, la que desencadene un montón de resortes y consecuencias que llevan a la pareja y a su hija a sacar lo mejor y lo peor de sí mismos. Difícil llegar a ninguna conclusión y más cuando la hija es la parte débil de la ecuación. Muy recomendable película.

Decía ayer Kim Ki-duk en la rueda de prensa que su película es la prueba que cualquiera puede hacerlo. Se refería claro está, a que los medios materiales no son tan importantes. Efectivamente pone en pie una película sin apenas medios (una HDCam y una actriz) y un guión bastante simple. Sólo hace falta llamarse Kim Ki-duk y tener la capacidad de crear con lo que sea.

Mañana más.

Especial: 59 Festival de Cine de San Sebastián

2011-09-17T19:08:00.003+02:00

Días 1 y 2

Llueve. Así que, de momento, quitamos uno de los valores añadidos del Festival, la playa, y queda más tiempo para ampliar la variable cine.

Ayer fue día de acreditaciones y toma de contacto, lo cual no impidió ver las películas de Terrence Malick: El arbol de la vida y la de Enrique Urbizu: No habrá paz para los malvados.
De la primera, habrá tiempo de hablar de ella cuando la estrenen porque va a dar, creo, para discusiones. Y no es de extrañar que cree polémica. Malick nos lleva de excursión por el Universo para intentar comprender quiénes somos y qué nos hace ser lo que somos. Habla de nuestras dudas, complejos, reacciones, etc. determinadas por nuestro código genético, las pulsiones naturales y la educación que recibimos. Densa película compuesta de dos partes. Una con Brad Pitt como violento padre de una, de no ser por él, feliz familia y otra parte, integrada a modo de ensayo poético y compuesta de imágenes y música de una belleza sorprendente. El señor Malick se saltá todas las normas de la narrativa, cosa muy sana, para discurrir por el terreno de la poesía. O entras o no entras. La potencia del espectáculo audiovisual es la que sustenta el peso para enganchar al espectador. Son 140 minutos, ¡habría que exigir una investigación para conceder a una película más de 90 min! Pero está bien, concedemos que la comunión panteísta con el Universo lo merezca. A pesar de eso, llega un momento en que se hace larga y eso puede hacer que cosas que te parezcan sublimes en otras circunstancias, pases a percibirlas como pedantes. Seguro que volveremos a hablar de ella.

De la peli de Urbizu, que se estrenan el día 23, también hablaremos pronto. Como adelanto diría que es un buen thriller de libro. Explico el oxímoron. Tiene todos los elementos que componen una buena película de género, incluyendo al protagonista-antihéroe: último reducto de nuestra sociedad en peligro. Pero al igual que me pasa con El orfanato en su género correspondiente, me parece una suma de elementos recurrentes, bien hechos y bien encajados, pero que me dejan a medias.

Eso fue ayer, hoy día 2, he desayunado con Kim-Ki-duk y su película Amén, que está en Sección Oficial. Este director se reinventa con una facilidad pasmosa y tiene una potencia visual que da gusto ver sus peliculas. Amén no es una película convencional y eso que al contrario de Malick, hace una especie de nouvel vague a la coreana: cámara en mano, sonido directo y relamente muy pocos medios. Sin embargo el resultado final hace que la película dé vueltas por mi cabeza, consigue la pregnancia que otras películas de infinito presupuesto (no hablo de Malick) no consiguen.
Y dura 70 min, Gracias señor Kim.

Después y para desengrasar, he visto la franco-libanesa-egipcia-italiana ¿Y ahora dónde vamos? , de la directora Nadine Labaki (Caramel). Divertida y lúcida fábula de un pueblo dividido entre cristianos y musulmanes, donde las mujeres, aburridas de enterrar a sus hijos y maridos por culpa de la violencia masculina, deciden tomar las riendas de la situación. Unas cuantas situaciones que ponen en evidencia lo absurdo de los conflictos religiosos.

Por el momento lo dejo aquí. He visto más y me gustaría hablar del documental Bertsolari de Asier Altuna. Pero eso será mañana, que merece tiempo.

Por cierto, otro de los valores añadidos: la gastronomía. Ahora comienza la sección Cine y Gastronomía con el documental Mugaritz BSO de Felipe Ugarte y Juantxo Sardón.

Especial: 59 Festival de Cine de San Sebastián

2011-09-15T18:50:00.000+02:00

cartel de 1953

cartel de 2011

Previo

Un año más, tras la bajada del telón del Festival de Venecia, abre sus puertas el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Ya estamos en la 59 edición del festival más importante de España que se ha mantenido ininterrumpidamente, salvo cambios de categoría, desde el año 1953.

A través de sus ediciones, el Festival ha asistido a la evolución de la industria cinematográfica y un rápido vistazo a las fotografías históricas permiten comprender el legado que un evento de este tipo es capaz de crear.

Como muestra os dejo esta foto de Bette Davies en la edición de 1989 que me parece estupenda.

Algunas cifras permiten hacerse una idea de lo que envuelve un festival de estas dimensiones: 8 días en los que se van a proyectar 193 películas de 47 países diferentes, en casi 600 pases y con 2800 periodistas acreditados. Un panorama también vertiginoso para público y profesionales que cubren el certamen porque semejante volumen de películas es inabarcable para el cinéfilo más ambicioso. Intentar planificarse es lo más parecido a hacer la carta a los Reyes Magos.

En la Sección Oficial, están en competición por la Concha de Oro las últimas películas del coreano Kim Ki-duk y del japonés Kore-eda (Still Walking, Always), de Benito Zambrano, Enrique Urbizu, Isaki Lacuesta o Arturo Ripstein.

Añadamos a esto una de las secciones mágicas del Zinemaldia: Zabaltegi, en sus apartados Perlas de otros Festivales y Nuevos Directores, donde encontramos material ineludible como The tree of life de Terrence Malick, Palma de Oro en Cannes 2011, el último kaurismaki con El Havre, Pina de Wim Wenders, The artist de Hazanavicius...

Una de las grandes obras de estos festivales son sus secciones retrospectivas y en este caso, a la dedicada al curioso y colorista director francés Jacques Demy, se suma el ciclo American Way of Death sobre cine negro norteamericano de 1990-2010, en la que se agolpan una serie de títulos difíciles de perderse... ¿No es un regalo volver a ver Fargo con Frances McDormand presidiendo el Jurado de la Sección Oficial?

Sumemos a lo ya imposible un par de secciones nuevas tan sugerentes como Cine y Gastronomía y Cine de Medianoche y rellenemos huecos con las habituales Made in Spain y Zinemira, sobre las producciones del último año en España y País Vasco y con Horizontes Latinos (cine latinoamericano sin estrenar). Pero aún hay más, mucho más y desde aquí intentaremos teneros al corriente de lo que vaya pasando día a día.

Me cojo una buena provisión de gotas para los ojos y nos vemos desde Donosti.

¡Más madera!: L'Illusionniste (Sylvain Chomet, 2010)

2011-09-12T16:39:00.001+02:00

Au service

por Santi Ivar

Decía el licenciado Vidriera en una de las Novelas Ejemplares de Cervantes, allá por los últimos balidos del siglo XVI y primeros del XVII, una frase que habría de servir a muchos de definición a su existencia. Contaba acerca del oficio de comediante, que era propio de personas bien nacidas, pues solo “en el gusto ajeno consiste su bien propio”. Que comen a base de aplausos, y mueren por complacer a los otros que les enjuician.

Jacques Tati vivió así los años de su vida. Sin hacer mucho ruido, pero sí mucho bien.
Diciendo más bien poco, pero contando bastante más. Y siempre partiendo desde la risa.
Ahora, casi tres decadas después de su muerte vuelve a ponerse al servicio de los que miran, para hacer una reverencia, y desearnos que su trabajo resulte de nuevo de nuestro agrado.

L’Illusionniste había de ser la cuarta película de Tati, prevista para mediados de los años cincuenta, tras el éxito obtenido anteriormente con Las vacaciones del Sr. Hulot. Pero no fue así, ya que el proyecto fue olvidado en un cajón al que nunca llegaría la luz.
Ha tenido que pasar media centuria para que Sylvain Chomet rescatara este guión que Tati dejó abandonado, y volviera a colocar al cómico en la piel de su personaje. Trayéndolo de allí en donde estuviera, para darle de nuevo vida en forma de dibujo animado, trasladando aquella historia que quedó pendiente a imagen de animación. Una traducción que no puede considerarse menos trabajada que cualquier obra de arte.

Y es que Chomet nos hace vibrar a base de dibujos de los de toda la vida. Con la reencarnación de Tati de dermis a espíritu. Plano a plano, gesto a gesto. Hecho a mano. Porque la animación tradicional se ha hecho mayor. Era una niña en aquellos años cincuenta, pero ahora es ya una señora con experiencia que sabe dar lecciones de vida.

Es de un realismo tal que convierte a la película en una creación maravillosa; te atrapa. Te lleva a que, por un instante, dejes de mirar la pantalla, bajes la cabeza, y te pongas a mirarte las manos, como buscando los contornos del dibujo, para acto seguido, maldecir enfurruñado por tus tres dimensiones. Es el propio realismo que define el humor que concebía Tati: un humor, que al igual que la tristeza, también es “de verdad”.

De cualquier modo, L’Illusionniste es una historia pesimista acerca de cómo el hombre vive creyendo en las ilusiones, y cómo olvidándose de ellas consigue sobrevivir. Una cinta silenciosa, casi hacia adentro. Una nueva reflexión del viejo humor visual que nos trae al Tati de Music Hall de los inicios.Ver la película con otros ojos nos llevaría a la apatía, a no valorar correctamente un texto extemporáneo que llega con olor a nuevo.

Y así, los personajes van desfilando por la película: el payaso suicida con sonrisa de alquiler, el ventrílocuo atrapado en la gatera de sí mismo, el escurridizo y huraño conejo que se guarda toda chistera, y el propio Tatischeff, inerme, hermético en su expresión. Todos conocedores de las miserias del artista que no recibe nada a cambio, en ese momento en el que el foco pasa de largo, y el mundo gira, pero uno ya no va con él. Y la niña Alice, que es la única que aún posee la inocencia de creer en aquello que no se ve, en lo inexplicable. Siendo la única superviviente de esta decadencia de las ánimas. Pero si algo queda claro en esta película es que siempre hay tiempo para un último truco. He aquí el de Tatischeff: Tati en el espejo, mirándose a los ojos en la pantalla del cine.

Porque quizá sea cierto eso de que los magos no existen, pero aún así, sigue habiendo cosas que funcionan por arte de magia. La inspiración, el cine, los sueños, la propia vida, o incluso el amor, tienen su truco. Aunque no seamos capaces de encontrarlo.

Noticias

2011-09-09T18:59:00.000+02:00

Nueva temporada del Blog, ya tercer año, y buenas perspectivas por delante.

Ya habréis comprobado que este año abrimos las puertas a la crítica de cine de estreno. Traspasamos las fronteras de nuestra Mediateca, para colarnos en la programación cinematográfica de las salas comerciales. El ambicioso reto no sería posible sin ayuda y para ello, un equipo de colaboradores, alumnos de nuestra univesidad, ha acudido al rescate con sus ideas y estilos.

A lo largo del año intentaremos mantener la línea que hemos llevado hasta ahora y además, publicar uno o dos post por semana sobre estrenos comerciales.

Empezamos fuerte y, como novedad, el Blog se va al Festival de Cine de San Sebastián. Una buena ocasión donde ver el cine que nos espera la próxima temporada y el que se está cocinando en otros paises. Esta semana comenzaremos con la serie de post sobre el Festival.

Y no nos olvidemos del concurso de relato breve Entre líneas que tenemos convocado para todo el personal vinculado a la Universidad Rey Juan Carlos y que ya tiene abierto el plazo de presentación.

Esperamos que el plan os resulte interesante y nos continueis siguiendo como hasta ahora.

La temporada está en marcha y todos en sus puestos... nos vemos en el Blog.

¡Más madera!: Super 8 (J. J. Abrams, 2011)

2011-09-08T19:22:00.000+02:00

Aquellos maravillosos… 80
por Sara MM. Landrobe

Encantados de conocerse, así están J. J. Abrams y Spielberg. El primero dirige esta película arropado por uno de sus ídolos cinematográficos, y el segundo parece haber sacado de entre una montaña de producciones al hijo pródigo, a su alumno aventajado. Este flechazo creativo los lleva directos a la década de los 80, pero no sólo como una fecha donde colocar la historia, sino como una forma de contarla. Retorno al contacto niño-extraterrestre, protagonistas de metro y medio y pandillas de verano, aventuras que rompen la tranquilidad de la vida cotidiana, niños que salvan el mundo sin la protección de los adultos… Es decir, que Abrams saca al Elliott que lleva dentro ¿Cuántas veces se ha dicho aquello de «una generación marcada por el cine de la década de los... »? Pues Super 8 es el resultado de combinar en un mismo guión a marcador y marcado, tan bien mezclados que es difícil distinguir donde empieza la mano de uno y acaba la del otro.

Durante el verano de 1979 un grupo de niños de Ohio es testigo de un accidente de tren mientras graban un corto sobre zombies −con la famosa Super 8−, acontecimiento que cambiará la vida del pueblo en el que viven. Esta idea se convierte en un recipiente donde director y productor han mezclado sus temas comunes: Relaciones padre-hijo complicadas, familias desestructuradas, monstruosos bichitos destructores poco educados y contactos extraterrestres. Estos “comunes” reconstruyen el universo de E. T., el extraterrestre (Steven Spielberg, 1982) y el de películas como Los Goonies (Richard Donner, 1985) o Cuenta conmigo (Rob Reiner, 1986), con la facilidad de Abrams para desarrollar y entrelazar historias con varios personajes o soltar lastre en el momento adecuado para rodear de misterio sus argumentos. Pero igual que consigue recobrar el espíritu de ese cine de niños que jugaban en la calle −y no sabían lo que era una red social−, esa combinación perfecta que tan buenos resultados le ha dado a su mentor entre “acción comercial” digna de superproducción y la humanidad de personajes con los problemas de cualquier hijo de vecino, aun le queda algo de camino por recorrer, al menos ese remate final que lo aleje de lo meramente correcto. La trama se desarrolla y entrelaza sin obstáculos, mantiene el suspense escondiendo y jugando con algún regreso al pasado que recuerdan a su mítica serie Lost o a esa seudoversión de El Proyecto de la Bruja de Blair con efectos especiales que produjo llamada Monstruoso (Matt Reeves, 2008), colocando con buena intuición los momentos más delicados –los conmovedores, melancólicos, dramáticos…− con el añadido que significa percibir lo mejor de Spielberg detrás de cada plano, encuadre y fotograma. Pero en lugar de aprovechar todo este saber hacer, parece conformarse con lo malo −correcto− conocido y no querer saber nada de lo bueno por conocer: falta el desenlace original y genuino, una visión nueva que esté a la altura de esa capacidad que demuestra para hacer crecer la historia, para cargarla poco a poco de enigmas y nuevas pistas. No defrauda, pero lo que durante toda la película son pinceladas agradables y acertadas de un cine “que fue” y que daban cuerpo a una historia propia se convierten en un final que nos recuerda demasiado al maestro Steve. Con el ata cabos, encaja y cierra, nada más.

Super 8 tiene una curiosa manera de encontrar su propia personalidad construyéndose sobre el imaginario cinéfilo de toda una generación sin ser un remake. No es nada nuevo bajo el sol, pero eso no es problema para que algo esté bien hecho y tenga fuerza. A fin de cuentas ¿cuántas veces nos cuentan las mismas historias con distintas caras y uno sigue emocionándose como si nunca le hubieran hablado de la amistad, el amor, el valor y demás blas-blas-blas varios? Además, esto de las generaciones tiene doble filo. Quienes pertenezcan a esa que creció con el Spielberg de los 80 disfrutará de ella con el gusto que da encontrarse con algo conocido de lo que se tienen buenos recuerdos; el que no, lo hará como si encontrará una rareza interesante dentro del mundo del blockbuster –al menos durante lo que dure su ignorancia−. De todas todas se nota mimo, cariño y saber hacer. Con algo de autobiográfico en esos niños aficionados al cine y un poco de ese “cualquier pasado fue mejor” engañosamente maquillado por la nostalgia −que tampoco hay que exagerar−, aparece adrede fuera de su tiempo. Una buena muestra de lo que se hacía en aquellos maravillosos ochenta.

¡Más madera!: Capitán América: The First Avenger (Joe Johnston, 2011)

2011-09-06T15:36:00.001+02:00

El vengador perfecto
por Sara MM. Landrobe

Tras un largo desfile le ha llegado el turno al marveliano Capitán América, el primero en papel y el último de los elegidos para el salto a la pantalla antes del estreno de The Avengers. Cumpliendo con esa regla no escrita de que toda primera adaptación debe remontarse a los orígenes del superhéroe –hay que presentarlo en sociedad como es debido− no hay duda de que ésta vez la metamorfosis de «patito feo» a «rey de la selva» tiene en la Segunda Guerra Mundial un escenario a medida: salvar al mundo de los nazis siempre le deja a uno en buen lugar, si además acabas con la división más temible de su ejército ni te cuento, pero si le añades que tienes un escudo molón y eres el yerno perfecto, da igual que Joe Simon o Jack Kirby te dibujaran con mallas, eres el amo. Joe Johnston consigue adaptar el comic sin tener que desdibujar demasiado la historia original y le da el espíritu de un clásico de los años 40.

Steve Rogers no quiere matar nazis, simplemente odia a los matones “sean de donde sean”. Con esta frase y sin saberlo, el escuálido neoyorquino termina por convencer al Dr. Abraham Erskine de que es él y no otro el que debe probar el suero que lo convertirá en el primer supersoldado. Pero su transformación física no lo convierte sin más en el líder inspirador del ejército americano, va a tener que sudar muy mucho las barras y las estrellas para ser valorado. Es decir, está claro que los nazis de la organización HYDRA y su líder Johann Schmidt (o Red Skull), como malos que son, van a recibir de Mr. Cap hasta en la última línea de los créditos, pero eso no llega de inmediato y afortunadamente no es lo único que vamos a ver. Johnston se reserva algo para explotar un poco más de la época que le toca vivir al joven Capitán: idealista, patriótico, valiente, justo, entregado, humilde… pero todavía ingenuo, es engullido por una parodia esperpéntica sobre el despliegue propagandístico y mediático que surgía como nuevo frente de guerra, un Why We Fight para la autocritica. Esto no despoja al personaje de sus valores patrióticos, ni hay necesidad, es el Capitán América, no el Capitán «Sin-patria», pero saber reírse de algún que otro tópico –y alguna que otra realidad– consigue mantener fuera de combate al peor enemigo de todos: la americanada.

Otros superhéroes-marvel vigilan nueva York, son reputados científicos o tienen la suerte de defender Gotham City siendo el favorito de Burton y Nolan, pero Steve Rogers es el joven condecorado que luchó en la Segunda Guerra Mundial, un héroe de los clásicos, un buen hombre lo mires por donde lo mires. Vamos, que Johnston lo tenía a huevo para colocarle la medalla de héroe de guerra, y lo hace con la libertad que da no tener que meterse en los dilemas morales que sufriría años después bajo la mano de Stan Lee. Es más, ¿un salvamundos que no necesita ser políticamente incorrecto, tener debilidades o mal carácter para demostrar su autenticidad y recordarnos que le queda algo de humano? Vaya, vaya, vaya, resulta que es posible. Y aunque lo que no es tan posible es librarse de pertenecer al maratón cinematográfico del cómic de la última década, conservar la estética de la época que vio nacer al barriestrellado –eso que ahora llamamos retro– en lugar de hacer una versión 3.0 plastificada a lo siglo XXI consigue no hacerle desaparecer entre el pelotón de supers. Toda una hazaña en los tiempos que corren.

¡Más madera!: Beginners (Mike Mills, 2011)

2011-08-02T12:23:00.000+02:00

Como un quiero pero no puedo
por Sara MM. Landrobe

Mike Mills y el cine indie. Ese cine que se desliga de la industria hollywodiense, de producciones millonarias, de tópicos típicos, de los temas de siempre… o eso intenta. Es como ese chaval “rarito” de clase que pasa de hacer lo que hace todo el mundo porque no le queda otra para hacer lo que le gusta. Con él te pueden pasar dos cosas: o descubres que tiene cosas interesantes que decir y una visión muy particular de ellas que te gusta, o simplemente es pose y es igual de simplón y previsible que los demás, con sus propios tópicos típicos pero llevando gafas de pasta. Con Beginners, Mike Mills parece más de los segundos que de los primeros. Qué hacer cuando uno se siente como un novato ante lo nuevo y cómo reconocemos eso que llaman amor, en esas nos mete el director americano pero sin decirnos qué piensa él de todo eso.

Una casa vacía abre la cinta. Oliver Fields (Ewan McGregor) pone orden en los asuntos de su padre que acaba de fallecer. Este principio marca el tono de toda la película, una mezcla entre lo catatónico, lo reflexivo, lo ácido y el ánimo que se te queda después de que, sin esperarlo, te den en la cara con la mano abierta. A través de un collage de saltos en el tiempo, fotografías antiguas, metraje histórico, recuerdos e ilustraciones del propio Oliver se plantean dos formas de empezar de nuevo: la salida del armario después de 45 años de matrimonio de su padre, Hall (Christopher Plummer), y el comienzo de una relación con Anna (Mélanie Laurent), una actriz de teatro que tiene tanto miedo al compromiso como él. Ingeniosas y divertidas al principio, las dos historias se intercalan y comparan entre sí, pero a medida que avanza la película los diálogos entre Oliver y Anna se vuelven flojos e incluso en momentos decisivos se nos priva de ellos silenciándolos, lo que acaba convirtiendo a la pareja en los prototipos perfectos de niños ricos y modernos que no tienen más preocupaciones que buscar la mueca de atormentado constantemente. Algo similar acaba ocurriendo con la historia del padre, que pasa de graciosa y adorable a una reivindicación sobre el orgullo gay algo pesada y caduca en los tiempos que corren. Todo esto hace que la película pierda ritmo y ahí es donde entra el perro de Hall, que si no he hablado de él antes es porque el pobre animal la única función que tiene es la de salvar los momentos en los que a Mills se le atasca un poco la historia. Oliver habla con él y el perro responde en subtítulos. Diría que es casi “woodyallense”, pero solo casi.

El propio Mike ha contado que hay mucho de autobiográfico en la película, quizás por eso se respira cierto aire documental. Es como un ejercicio de contemplación de pequeñas secuencias con las que dejar al espectador en un limbo con regustillo emotivo. Mantener esta línea durante toda la película la hace bastante plana y como consecuencia durante los últimos 20 minutos el espectador va por delante del guión sobradamente, cosa para la que no hay perdón de Dios… ¡Aunque éste lleve gafas de pasta! Así que Beginners parece el álbum de recortes inacabado de un desconocido. Puedes pasar el rato echándole un vistazo, al prinicpio la curiosidad lo hará interesante y vas a sacar tus propias conclusiones de él (si es que te inspira alguna) o incluso puedes pensar que el autor tiene buen gusto para componer páginas y elegir colores. Pero de lo que te quedas con las ganas es de saber el por qué de esos recortes, que significan en conjunto para el que los colocó ahí y sobre todo por qué no lo terminó. Mike pasa de puntillas por lo que él mismo plantea y no parece que lo haga adrede sino mas bien por un quiero pero no puedo que no le deja rematar lo que empieza y que se hace evidente en los momentos de más intensidad de la película.

Admitámoslo, llevar la etiqueta de director indie a pecho descubierto es como aquello de que un poder conlleva una gran responsabilidad: se siente, pero esperamos algo más. Ya que vamos de intimistas y prescindimos de dejar al espectador con la boca abierta por los efectos especiales, después de tantas dudas existenciales qué menos que una conclusión, una idea,… ¡un “algo”! que te haga salir de la sala con el entrecejo fruncido y una sonrisa de complicidad. Con Beginners, como mucho, sales como entraste o pensando que te has equivocado de profesión: no sabíamos que el sueldo de una actriz poco conocida da para vivir en hoteles de lujo.

¡Más madera!: Cars 2 (John Lasseter & Brad Lewis, 2011)

2011-07-19T10:21:00.003+02:00

Un spin-off innecesario
por Sara MM. Landrobe

¿Necesitaba alguien una segunda entrega del scalextric de Pixar? Me temo que no. La primera parte ya nos sirvió para echar un sueñecito en la butaca mientras nos hablaban de las ansias de Rayo McQueen de ganarlo todo. No interesaba mucho porque no se jugaba nada importante, y eso que hasta con un simple flexo los genios de Disney son capaces de crear una buena historia. Así que esta secuela solo se explica de una manera: su orgullo quedó tocado por el aprobadillo raspado de la primera parte y han intentado resarcirse con una versión nueva que no solo hable de ganar carreras de coches. Lástima que al final todo quede en un circuito lleno de cabriolas argumentales que no llevan a ninguna parte.

Durante los primeros minutos de película piensas que te has equivocado de sala: un comienzo explosivo al más puro estilo 007 que gusta por diferente aunque no sepamos qué pintan McQueen y Cia en todo eso. Después vemos que Rayo vuelve a casa por vacaciones y que antes de darse cuenta él y su amigo Mate, la grúa del pueblo, se ven envueltos en una trama de malos entendidos y conspiraciones internacionales. Disimuladamente McQueen –tan poco interesante como siempre– pasa a un segundo plano y Mate se convierte en el verdadero protagonista. Pero en esta especie de spin-off sobre la grúa de Radiador Springs se echa en falta el mimo con el que Pixar trata todos sus guiones.

Hay demasiadas historias y se construyen de forma forzada. Falta emotividad y caen en uno de los errores más típicos del género de espías: que el espectador no se entere de nada. En lugar de ir descubriendo pistas que despierten las ganas de saber más lo que aparecen son nuevas tramas por generación espontánea que despistan de mala manera. Lo mismo parece una mezcla entre North by Northwest y James Bond que surge una versión automovilística de Al Capone, o lo que es peor, intuyes que Al Gore se coló en el equipo de guionistas porque ya no le dejan hacer documentales. Es decir, no sabes de qué te hablan porque ni la trama de espías toma forma ni nos queda claro qué “valor Disney” quieren resaltar –¿Sé tú mismo? ¿Lo importante es participar? ¿Tu amigo es tonto pero quiérele igual? ¿¿El gasoil es malo??–. Algo se nos ha ido de las manos...

Con tanta indecisión y cambio de pista lo único que acaba importando es llegar al final como sea, pero llegar. Así que el equipo de Lasseter echa mano de lo que parece que aun no le falla: escribir con ritmo trepidante. Chicos listos pero tramposos que salvan los atascos de guión al grito de “rápido, rápido, rápido”. No paran de suceder cosas y muchas se las sacan de la manga, pero no nos damos cuenta porque no hay tiempo para pensar en ello. A esto le sumamos que los chavales siguen siendo graciosos y casi diríamos…Chapeau! Nos la colaron. Pero no, no se puede engañar a todos durante todo el tiempo, y ni el ritmo ni el humor salvan una llegada a meta que sabe a todo menos a victoria, sobre todo porque después del final no pueden seguir a esas velocidades... Ouch!

Le han puesto muchas ganas al montaje de un circuito nuevo con más piezas –que siempre parecen más divertidos–, pero al final resulta tan complejo que parece que se han cansado y lo han encajado de cualquier manera. Lo que quizá sorprende más es que con tanto ímpetu por superarse así mismos hayan dejado de lado al público, que quiere que le cuenten y le sorprendan, no que le confundan. Pixar cometiendo errores de novato, nunca lo hubiéramos pensado.

Concurso de Relatos Cortos "Entre Líneas"

2011-07-11T09:02:00.003+02:00

Actualidad: Ernest Hemingway

2011-07-07T13:10:00.003+02:00

Al hilo de San Fermín y los cincuenta años del suicidio de Ernest Hemingway, hacemos un repaso por las obras y adaptaciones del escritor norteamericano que tenemos en la Mediateca.
La carrera literaria de Hemingway y su azarosa vida lo convierten en uno de los escritores más atrayentes para el público en general y de lectura obligada para generaciones de escritores y periodistas. Prototipo de aventurero, apasionado, idealista y desmesurado, su obra es el reflejo y la consecuencia de una vida apurada. Hay autores que desde la soledad de sus escritorios pueden crear historias fantásticas que inventan basándose en experiencias propias o ajenas, Hemingway utiliza las vivencias de su azarosa existencia para analizar la conducta humana, su condición y la naturaleza de sus pasiones.
Dos guerras mundiales y la guerra civil española en el frente, cacerías por África, pesca en Cuba, vida en París, boxeo, toros, Pamplona y San Fermín son acontecimientos propicios para extraer anotaciones en su libreta Moleskyne y que darán lugar a títulos como Adiós a las armas, ¿Por quién doblan las campanas?, - quizá su obra más reconocida, localizada en la guerra civil española- Las nieves del Kilimanjaro o El viejo y el mar. Todos ellos son libros que por su riqueza visual encontraron en el cine un buen lugar para transmitir su épica vital.
Sobre las adaptaciones cinematográficas, Adiós a las armas de Frank Borzage, es una película basada en la novela autobiográfica del mismo título, a raíz de las experiencias de Hemingway durante la Iª Guerra Mundial.
Las nieves del Kilimanjaro de Henry King se desarrolla en África con la caza como trasfondo. En ella disecciona las conductas de los tres personajes sobre los que planea la narración. Pasiones, deseos y rivalidades integrados en la sabana africana.
Por último, con El viejo y el mar, Hemingway, enfrenta un drama sobre el paso del tiempo y la capacidad de lucha y sufrimiento de un viejo pescador por recuperar el éxito que una vez tuvo. La película de John Sturges, con Spencer Tracy, es la versión que más se ha popularizado de todas las que se han hecho sobre el clásico. Se desarrolla en Cuba, donde Hemingway también tuvo residencia en la finca Vigía. Sus rastros, hoy convertidos en rutas turísticas, pueden recorrerse por Cuba, Miami, Pamplona o París. Siempre encontraras una mesa en un bar en la que te aseguren que "aqui trabajaba Hemingway".
Recibió el Premio Pulitzer en 1953 y el Nobel de Literatura en 1954.

Reseña: Pan negro (Agustí Villaronga, 2010); La cruz de la moneda (Diego Sarciat Estévez, 2011)

2011-06-28T17:02:00.003+02:00

Año tras año, las guerra civil española es fuente de inspiración para novelistas y cineastas que encuentran en esas turbulencias de la sociedad, el contexto ideal para desarrollar sus tramas. Entre las últimas adquisiciones recibidas en la Mediateca podéis encontrar la película triunfadora en los Goya de este año: Pan negro (Agustí Villaronga, 2010) Una película que llama la atención por el magnífico trabajo de su departamento artístico para la recreación de ambientes y por el casting, bien elegido y bien dirigido.
En la parte menos lograda está el metraje, quizá excesivo, que hace que la película pierda en algunos momentos la fuerza que tiene.
Recomendable para todos aquellos que busquen una aproximación fiel al modo de vida durante la guerra civil y, desde el punto de vista cinematográfico, entre otras cosas, por la buena labor del departamento artístico y de los actores.

La siguiente novedad, está vez de la Biblioteca, relacionada con la guerra civil es el libro La cruz de la moneda (Diego Sarciat Estévez, 2011) . Un libro que sitúa la acción en la década de los años cincuenta pero que hunde sus raíces en la guerra civil y sus funestas consecuencias sobre la sociedad.
Quizá es en las zonas rurales donde la guerra civil se dejó sentir con especial crueldad y donde los supuestos motivos ideológicos o políticos dieron paso a las mucho más próximas y míseras rencillas entre vecinos y familiares. En ese paisaje de rencores y venganzas, la infancia, al igual que en Pan negro, El Laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006)o La lengua de las mariposas (José Luis Cuerda, 1999) surge para servir de hilo conductor a la novela y acaso dar un poco de luz y futuro a una época tan sombría y cruel.

Disponible ya para la lectura.

Especial: Máscaras

2011-06-21T19:42:00.005+02:00

Sirven para ocultar la identidad, evitar mostrar lo intolerable o asumir la apariencia de un ser diferente. Pueden ser decorativas, prácticas o insultantes. Mágicas o humanas. Su visión puede ser lúdica y festiva o inspirar el terror más irracional.
Las máscaras han acompañado desde siempre la evolución del hombre y han añadido a sus actos un halo de misterio y libertad.
El cine, no ha quedado al margen de su influencia y a lo largo de su historia encontramos ejemplos que se han convertido en iconos con la misma prevalencia que los rostros de los actores y actrices con los que compartían cartel.
Tenemos ejemplos fijados en nuestra memoria y sólo recordarlos nos evocan las sensaciones que una vez experimentamos al verlas en la pantalla.

El fantasma de la ópera, por ejemplo, es un clásico de la máscara terrorífica. Es una máscara que socializa al monstruo y que le permite vivir entre sus semejantes, pero su visión nos acaba produciendo temor por lo que intuimos que oculta. Siempre es mucho más efectiva la evocación que la visión directa (algo que por desgracia se está olvidando). Scream o el protector de béisbol de Jason en Viernes 13, juegan también con esos mecanismos. El supuesto uso lúdico de estas dos máscaras (un juguete y un protector deportivo) se convierten en objetos que de utilizarse en un ámbito determinado pasan a otro absolutamente diferente e inapropiado.

Caso curioso es la máscara de Hannibal Lecter porque funciona de forma contraria a El fantasma de la ópera. En lugar de ocultar el horror, crea al monstruo. Si no fuera por esa máscara, el canibal Lecter sería un tipo normal. La máscara, impuesta por la justicia, lo animaliza y lo señala como el peligro público que es.

Uno de los ejemplos que dignifican la máscara (no hay más que acudir a cualquier tienda de disfraces) es la máscara-casco de Darth Vader en La Guerra de las Galaxias. El reverso oscuro de la fuerza queda materializado en ese rostro frío y metálico que, además, respira mecánicamente. Si como máscara pudiera cobrar caché y tener vida independiente para contratar sus propias películas, estaría entre los más altos de la industria cinematográfica.

En La marca del Zorro, Douglas Fairbanks cubre escuetamente sus ojos con un antifaz, hermano menor y minimalista de la máscara, como si con ello fuera posible ocultar la identidad de aristócrata justiciero. Sirve para crear el misterio y la leyenda que le rodea y convertirlo en un indispensable en cualquier fiesta de disfraces. Además es modelo que utilizan los más variados superhéroes.

La máscara veneciana es otro clásico que encontramos en las reuniones masónicas de Eyes Wide Shut. La analogía y la repetición de modelos son la garantía del anonimato en los encuentros. Clásicas pero siempre enigmáticas y efectivas.

Por último, una máscara relativamente reciente pero que ha trascendido con fuerza, y que ha evitado las fiestas para colarse en un mundo más reivindicativo, es la máscara de Guy Fawkes en V de Vendetta. Una máscara cuyo manual de instrucciones también incluye la repetición al infinito para garantizar su funcionamiento. Todos somos Guy Fawkes, todos somos anónimos. El valor añadido de esta máscara es que, además de lo que aportan las demás, atribuye pertenencia a un grupo que se reinvindica desde el anonimato. Asistimos al proceso de convertirse en icono.

Elegid máscara y pasad a la fiesta.

Actualidad: Leonard Cohen

2011-06-01T17:34:00.001+02:00

Es justo que hagamos un hueco a una de las referencias obligadas en este Blog. Y es que al señor Cohen, le han concedido el premio Príncipe de Asturias de las Letras. Con este pretexto, os recomendamos que disfrutéis del documental de Lian Lunson de 2005 Leonard Cohen: I'm Your Man, que ya recomendamos (aquí) para acercaros un poco a su obra. Sus canciones están llenas de inspiración y siempre son un lugar recomendable donde perderse.
Esta canción es Suzanne, una canción que bien justifica por si sola una carrera.

Reseña: Garbo, el espía (Edmond Roch, 2009)

2011-04-28T17:28:00.002+02:00

Con motivo de James Bond, hace poco hablábamos de espías y tramas urdidas durante la Segunda Guerra Mundial. Pues bien, continuando ese hilo os recomendamos el documental de Edmond Roch Garbo, el espía. Película documental ganadora del Goya 2010 y de múltiples certámenes cinematográficos. Por medio de entrevistas, la película nos cuenta la historia del agente doble Juan Pujol, conocido entre los aliados por su nombre clave Garbo y por los alemanes con el nombre de Arabel.

Juan Pujol (Garbo/Arabel)

La historia de este agente doble es un caso realmente curioso y es que fue condecorado por los dos bandos por sus contribuciones al esfuerzo bélico de cada uno de ellos. Inició su andadura como agente doble ya en la Guerra Civil española al pasarse al ejército franquista con la idea de facilitar información al lado repúblicano, pero fracasó en el intentó. Comenzada la Segunda Guerra Mundial, se ofreció como voluntario en Madrid al servicio de inteligencia británico para trabajar como espía y le rechazaron. Se ofreció a los alemanes y le aceptaron. Con ellos empezó a trabajar a la vez que se ofrecía a los británicos como agente doble. Tras algunos éxitos que incluyeron el desplazamiento y desvío de un gran contingente aéreo a través de Europa, los británicos intuyeron su potencial y lo integraron en su red para pasar información al Reich. A partir de ahí, ya instalado en Londres, se despliega todo ese poder para el engaño y la desinformación que llevaba dentro.De su mente crea una red de informadores ficticios a los que va dotando de una vida suficientemente creíble para que los controladores alemanes pudieran tragarse todos sus mensajes. Continuó pasando información interesada hasta 1944 con tal grado de efectividad que en ocasiones los alemanes ni siquiera la contrastaban. A partir de junio, con motivo de la invasión de Normandía fue utilizado para confundir al ejército alemán y hacerle creer que la invasión principal se haría por Calais en lugar de por las playas de Normandía. Hasta bien terminado el conflicto los alemanes no supieron que habían sido engañados. Todo un éxito como actor, guionista y espía.

Y si sorprendente es su vida laboral, su vida familiar, como no puede ser de otra manera con este perfil, no se queda atrás.

Por otro lado, provechamos también para recomendaros el libro El hombre que nunca existió, de Ben Macintyre. En este libro se relata el caso que comentamos en el pasado artículo del blog sobre la operación Mincemeat (carne picada) La creación de un oficial ficticio que se asoció al cuerpo sin vida de un vagabundo y que fue soltado en las costas de Huelva durante la Segunda Guerra Mundial para que los alemanes lo encontraran y se hicieran con los documentos (falsos) que portaba. Rocambolesca historia escrita con un estilo muy ágil, se lee como si fuera una novela y está documentada con material recientemente desclasificado.

Tanto uno como otro son ejemplo de que la realidad supera con creces a la ficción más desbocada.

Reseña: Así se hacen las películas (Sidney Lumet)

2011-04-26T18:16:00.003+02:00

Al hilo de la reciente desaparición del director de cine Sidney Lumet, aprovecho para recomendar su libro Así se hacen las películas. Esta poco afortunada traducción del original Making Movies puede desorientarnos sobre el verdadero tema de estas memorias de Sidney Lumet. El título original es más acorde con el contenido y el espíritu del libro porque en él nos embarcamos en un recorrido por el proceso extenuante, creativo y, a veces, tedioso y estresante de hacer películas. En sus palabras, "el mejor oficio del mundo", no deja de ser un oficio y como tal tiene sus rutinas, sus miserias y sus grandezas. Decisiones condicionadas por variados elementos o por personas con ningún criterio además del comercial, modifican y contaminan el trabajo del director, que tendrá que empeñar su tiempo y energías en negociar y lidiar con esos inconvenientes para conseguir tomar la decisión más favorable al resultado final.

Con sus recuerdos, damos un paseo por la elaboración de sus películas, compartiendo el día a día de los rodajes y más que enterarnos de anécdotas y chismorreos o de la fórmula óptima para conseguir un éxito, tenemos acceso a sus sentimientos, sus impresiones e impagables experiencias con profesionales del sector, desde asistentes a estrellas de talla mundial.

Sidnet Lumet rodó más de cuarenta películas, y otras tantas producciones para televisión. De familia relacionada con el teatro, hace un cine muy basado en el guión: literario y con enorme importancia en el trabajo con los actores. Un estilo que no se apoya tanto en el espectáculo audiovisual como en las personas que lo hacen posible, arraigado a la sociedad en la que se inspira y desarrolla. Doce hombres sin piedad es un ejemplo de ese compromiso y al igual que en Veredicto final, Sérpico o La noche cae sobre Manhattan pone en el objetivo de su cámara la institución de la justicia y los hombres que la componen con sus luces y sus sombras. En Network serán los medios de comunicación los encargados de poner a los personajes al límite de sus capacidades.

Un rasgo de su honestidad y de su compromiso con el oficio es su crítica al cine de autor y a la figura del director omnipresente a lo largo y ancho del proceso creativo y de producción.. Para Lumet el cine es un arte compartido por múltiples departamentos y es la suma feliz de todos ellos la que produce el milagro de una buena película.

Termino con un párrafo que define muy bien los terrenos artísticos por los que se mueve. "Hacer una película lleva siempre consigo contar una historia. Algunas películas cuentan una historia y te impresionan. Algunas películas cuentan una historia, te impresionan y te transmiten una idea. Y otras películas te cuentan una historia, te impresionan, te transmiten una idea, y te descubren algo sobre ti mismo y los demás. Y desde luego el modo de contar la historia debería relacionarse de alguna manera con la propia historia".

Y eso, además, es Arte.

Reseña: Alma en suplicio (Michael Curtiz, 1945)

2011-04-08T17:03:00.001+02:00

Portada del libro de James M. Cain

En 1941 el escritor norteamericano James M. Cain, autor de éxitos como El cartero siempre llama dos veces, publica la novela Mildred Pierce y rápidamente, en 1945, es adaptada por los estudios Warner en la película del mismo título (Alma en suplicio, en España) dirigida por Michael Curtiz.

Una película con ingredientes del cine negro clásico, envuelta en notas de jazz, con el personaje central femenino catalizador de la historia y que hace tambalearse a los contradictorios y débiles personajes masculinos. Los ambientes sórdidos de noches de humo y las claroscuras pasiones surcan a los personajes y como es el caso, cristalizan apretando un gatillo.

Michael Curtiz, 1945

Somos testigos de un asesinato en el mismo inicio de la película pero sin conocer la identidad del asesino. El desarrollo de la película será el camino que conducirá al asesinato y que permitirá conocer las causas y la identidad del asesino. Joan Crawford, interpreta a Mildred Pierce, divorciada y madre de una hija por la que no dudará en reinventar su vida (estamos en Estados Unidos en la época de la Gran Depresión previa a la Segunda Guerra Mundial) y alimentar las desmedidas ambiciones de su hija. Esta es la parte importante de película y libro, la abnegación de la madre por sacar adelante su vida y la de su hija. Su tema y sus elementos narrativos hacen de ella una película de plena vigencia hoy en día y eso queda patente en que la productora HBO estrena estos días la miniserie de cinco episodios Mildred Pierce, protagonizada por Kate Winslet y Guy Pierce y dirigida por Todd Haynes en una estética muy próxima a la exitosa Mad Men. Además de la vigencia del clásico de James M. Cain, queda de manifiesto el buen momento del formato serie y miniserie y cómo las productoras de televisión no dudan en implicar en sus producciones directores y estrellas multipremiadas, con enormes cachés, seguros del éxito de audiencia que las series están consiguiendo en las parrillas de programación.

Cartel promocional de la serie

Reseña: Buried (Rodrigo Cortés, España, 2010)

2011-03-25T18:19:00.001+01:00

Virtuosismo bajo tierra

Paul Conroy, trabajador civil en Irak, sobrevive a un ataque de la guerrilla y es secuestrado y enterrado vivo en algún punto de ese país. Esta es la información con la que al poco de encenderse las luces nos situamos dentro de la angustiosa estrechez del ataúd de madera que contiene al desesperado Conroy.

La escenografía ha quedado reducida a la mínima expresión,con un único personaje en escena y la iluminación, justificada en todo momento a partir de los variados accesorios de la caja (móvil, zippo, luz química...) . Con estos condicionantes autoimpuestos, la película relata las horas que el rehén pasa en el interior de la caja y los desesperados esfuerzos por conseguir que la ayuda exterior llegue hasta a él. Es destacable la rapidez y frescura con que la narración fluye con un ritmo y tensión óptimos. La creación de espacios off por medio del teléfono móvil es potente y hace que los minutos pasen sin que nos demos a penas cuenta y sin que la previsible claustrofobia llegue a influirnos. Planificación y rodaje están tan cuidadas que se consigue exprimir todo el espacio existente dentro del ataúd. La geografía se compone con el juego de los volúmenes del actor; de los escorzos y panorámicas, picados y contrapicados que la versátil cámara hace por la escueta caja. Así visto, el resultado es la resolución óptima de una gimkana. Pero semejante resultado conlleva una buena carga de recursos, pirotecnia cinematográfica, que arropan el supuesto descarnado esqueleto de la película. El guión plantea el controvertido punto de la verosimilitud, y es que esta película no se gana al espectador porque la coherencia del guión haga que el espectador acepte las reglas, sino que lo gana tirando de él por las orejas, a ritmo de montaje y de la sucesión de elementos que, sin darte tiempo a pensar, hacen avanzar la trama. Tienes que aceptar una serie de sucesos de difícil coherencia si quieres seguir dentro de la película. Cuando todo pasa, o cuando decides pararte y pensar lo que está pasando, tienes la inevitable sensación de que, con perdón, te han puesto una zanahoria delante y no te dejan mirar a los lados.
Con todo, el reto está superado con brillantez. Actor, director, iluminador, cámara... han hecho una apuesta arriesgada y artísticamente ( y comercialmente) la han superado con un interesante resultado. Esperemos que esta pirueta bajo tierra, sea sólo el manierista comienzo de una interesante filmografía.

Actualidad: Fukushima

2011-03-18T16:05:00.002+01:00

En estos momentos la central nuclear de Fukushima en Japón está enviando a la atmósfera no sabemos qué cantidad de partículas radiactivas, aunque la evolución de los acontecimientos parece que apunta hacia una mejora de las condiciones de seguridad. Ha bastado una sacudida, grande para nuestras escalas pero pequeña para las del planeta, para desatar el caos y provocar un tsunami contra la maltrecha costa nipona. La combinación de ambos ha puesto en jaque a uno de los países más avanzados del planeta.

Vivimos con la idea de que los avances tecnológicos garantizan nuestra vida y las condiciones de bienestar, pero la fuerza de la Naturaleza demuestra seca y contundentemente cómo eso es una simple ilusión. Un país como Japón, dependiente de la energía nuclear, probablemente tiene bajo estricto control su bien más preciado. Sus condiciones de seguridad estarán pensadas para garantizar su funcionamiento en condiciones extremas pero, de un latigazo, el planeta las desbarata y pone en riesgo a su población ante toda esa energía descontrolada.

Para ilustrar un poco el tema, proponemos la visión de El síndrome de China, película estadounidense de 1978 dirigida por James Bridges que analiza los peligros de la energía nuclear. La película mezcla dos de las tendencias de su momento como eran la proliferación de películas de catástrofes de todo tipo y la controversia que generaba el crecimiento y desarrollo de las centrales nucleares en Estados Unidos. El término síndrome de China, alude al proceso de fusión del núcleo de una central nuclear que perfora su contenedor de seguridad y penetra la corteza terrestre atravesándola y llegando hasta las antípodas, en el caso de Estados Unidos: China.

Otro documento interesante puede ser La ruptura del átomo y Chernóbil, un documental de la BBC de la serie Días que marcaron al mundo y que cuenta paso a paso las circunstancias que condujeron hasta el hoy, y esperemos que durante mucho tiempo más, accidente nuclear más grave de la historia ocurrido en Chernobil en 1986. También se hace un repaso al desarrollo de este tipo de energía desde que en 1942 se consiguiera la primera reacción en cadena.

La controversia sobre las centrales nucleares, una vez más, está servida.

El síndrome de China, James Bridges, 1978

Letras e imágenes: El nombre de la rosa

2011-03-15T17:24:00.003+01:00

“Los monjes que estaban alrededor rompieron a reír, y Jorge montó en cólera:

-Estáis arrebatándome a estos hermanos para arrastrarlos a una fiesta de

locos. Ya sé que es común entre los franciscanos conquistarse las simpatías

del pueblo con este tipo de tonterías, pero sobre estos ludi os diré lo que dice

un verso que en cierta ocasión oí en boca de uno de vuestros predicadores:

“Tum podex carmen extulit horridulum”.

La reprimenda era un poco excesiva: Guillermo había estado impertinente, pero

ahora Jorge lo acusaba de emitir pedos por la boca. Me pregunté si con la

severidad de su respuesta el anciano no estaría invitándonos a salir del

scriptorium. Pero vi que Guillermo, tan combativo hacía un momento, adoptaba

la más dócil de las actitudes.

-Os pido perdón, venerable Jorge --dijo-. Mi boca no ha sabido ser fiel a mi

pensamiento; no quise faltaros al respeto. Quizá lo que decís sea justo, y

quizá yo esté equivocado.

Ante este acto de exquisita humildad, Jorge emitió un gruñido, que tanto podía

expresar satisfacción como perdón, y no pudo hacer más que regresar a su

sitio, mientras los monjes, que durante la discusión se habían ido acercando,

fueron refluyendo hacia sus mesas de trabajo. Guillermo volvió a arrodillarse

ante la mesa de Venancio y continuó hurgando entre las hojas. Su respuesta

humildísima le había permitido ganar algunos segundos de tranquilidad. Y lo

que pudo ver en ese brevísimo lapso guió la búsqueda que emprendería

aquella misma noche…"

El nombre de la rosa

Escrita en 1980 por Umberto Eco, El nombre de la rosa pronto se convirtió en un best seller y desde entonces forma parte de cualquier lista de novelas imprescindibles. La clave para este éxito, en el poco probable caso de que esto pudiera definirse, la encontraríamos en la mezcla de tres de sus elementos principales. En primer lugar una escritura de calidad, con el equilibrio exacto de complejidad y sencillez para llegar a públicos muy heterogéneos.

En segundo lugar el universo mismo sobre el que planea toda la trama, con elementos de religión, filosofía, historia y vida cotidiana en ¡un monasterio medieval!. Hay que recordar que a principios del XXI, el mundo editorial descubrió el filón que esto suponía, y buena culpa la tuvo Eco… pero no quisiera mezclar con El nombre de la rosa otros libros de enigmas medievales pseudocientíficos y pseudoliterarios. Ya sabéis de qué estamos hablando.

En tercer lugar: el género elegido. Una novela de detectives en un monasterio medieval… con todos sus guiños y toda su parafernalia adscrita ( noche, laberintos, bibliotecas, asesinatos y detective con ayudante) que la dejan a medio a camino de la novela gótica es una combinación más que sugerente para atraer lectores a un terreno tan agreste.

Con esos ingredientes, Eco despliega un relato de implicaciones profundas. Bien tramado y con una base firme. Semejante coctel podía tener éxito y lo tuvo. Pero no sólo fue el libro, audaz y temerario en el panorama editorial del momento el que alcanzó el éxito. En 1986 Jean-Jacques Annaud dirige la versión adaptada al cine de la novela. Sean Connery pone rostro a un fray Guillermo de Baskerville, medieval versión de Sherlock Holmes (su nombre mismo es un guiño híbrido entre el monje escolástico y disidente, Guillermo de Ockham, y al relato de Arthur Conan Doyle El sabueso de los Baskerville). Completan el panorama una serie de estupendos secundarios, brillantemente caracterizados como monjes, que dan vida-y muerte- a la microsociedad monástica.

Versión literaria y versión cinematográfica son un excelente material de referencia para adentrarse en unos cuantos misterios, entre ellos el de las (buenas) adaptaciones cinematográficas.

Actualidad: Libia

2011-02-25T18:49:00.003+01:00

Libia está en medio de una guerra civil, y Bahrein , Argelia y Yemen asomándose al precipicio por el que han caído Túnez y Egipto. Conviene ser consciente de que estos pueden ser momentos decisivos en nuestra historia reciente. La rapidez del día a día hace que los sucesos pasen ante nuestros ojos a una velocidad que corremos el peligro de no valorar. Los aires de cambio que ahora corren por el mundo árabe posiblemente marcarán un antes y un después y serán unas fechas a recordar en los futuros libros de historia. Será el proceso que derivó hacia no-sabemos-todavía-qué nueva situación y quizá hacia un nuevo reparto de equilibrios en la zona y en el mundo.

Esta es la primera ola de revueltas que han podido producirse gracias a y por medio de las redes sociales e internet. Los regímenes cleptocráticos y tiranos de estos países no estaban preparados para someter una voluntad popular que se comunicaba por canales incontrolados. La información hacia dentro y hacia fuera de estos países ha desbordado los cauces de control y ha permitido a los ciudadanos compararse con otras sociedades. Una vez que la chispa del cambio ha prendido, internet, está sirviendo para que el fuego se propague a otras sociedades receptivas. De momento, el final de este proceso está aún por ver.

Pero mientras los hechos actuales se convierten en frías reseñas en los manuales de historia, el dirigente de turno, Gadafi, revolucionario y mesías en su momento, dispone con macabra generosidad de la vida de sus habitantes para garantizarse unos ingresos económicos que pertenecen a su nación. Y el resto del mundo mira, enorme y pesado, cómo solucionar lo que el mismo ha tolerado durante demasiado tiempo.

Para la ocasión, recomendamos una película que, si bien no tiene que ver con Libia, sí tiene que ver con África y con las consecuencias que la pasividad de la comunidad internacional puede tener sobre la población. La película es Hotel Rwanda, del director Terry George.

Los Goya 2011

2011-02-14T16:18:00.008+01:00

XXV PREMIOS GOYA DE LA ACADEMIA DE CINE
Protagonistas la película 'Pa negre' y el discurso de Álex de la Iglesia
http://www.rtve.es/noticias/premios-goya-2011/

Actualidad: Egipto

2011-02-11T18:25:00.004+01:00

Con Mubarak todavía agarrándose al poder, y a la riqueza de su país, volvemos la vista hacia la cinematografía egipcia para intentar comprender las causas de un descontento que hasta escasos días nos había pasado inadvertido. Ha tenido que producirse una revolución interna para que dejemos de contemplar Egipto como un estupendo lugar que había que visitar, con sus pirámides, sus momias y su ancestral cultura cargada de enigmas, para verlo como un país arrasado por un poder tiránico. Un país que tiene una sociedad fundamentalmente rural y con alta tasa de analfabetismo y que intelectuales, científicos, artistas y profesionales liberales han tenido que abandonar en vista de la falta de oportunidades.

Sobre esta realidad se sitúa la película El edificio Yacobián, dirigida en 2006 por el egipcio Marwan Hamed, y basada en el libro de 2002 del mismo título del escritor Alaa’ Al-Aswany. Novela y libro giran entorno a un lujoso y decadente edificio situado en el centro de El Cairo en el que aristócratas anacrónicos, empresarios mafiosos, periodistas y demás clase acomodada habitan los apartamentos y conviven con el pueblo llano que habita las azoteas y buhardillas. Este microcosmos se convierte así en trasunto de Egipto, con las cuestiones latentes de la sociedad tratadas con eficacia y claridad por medio de las relaciones de sus habitantes. La corrupción, la situación de la homosexualidad, el control policial, la pérdida de autoestima como país, la oprimida situación de la mujer o la religión se entrelazan con temas universales como el paso del tiempo y la dificultad de las relaciones interpersonales. Y todo ello con la amenaza del radicalismo islámico, al acecho para captar los elementos más desfavorecidos de esa red de relaciones. Una olla a presión que sólo necesitaba un poco de tiempo para estallar.

El edificio Yacobián en El Cairo

Actualidad: Románico

2011-02-09T17:06:00.000+01:00

Organizada por la Fundación Mapfre, se inaugura estos días en Madrid la exposición El esplendor del Románico. La muestra contiene una selección de obras maestras de los fondos del Museo Nacional de arte de Cataluña. Una buena ocasión para poder contemplar un conjunto de obras de esta calidad. Si la exposición os deja con ganas de seguir la ruta del Románico, os recomendamos la serie documental Las claves del Románico, dirigida por el arquitecto y dibujante José María Pérez “Peridis”. Un audiovisual que recorre el románico español, desde Cataluña a Galicia, rastreando sus hitos principales.

Ruta comercial y ruta de peregrinación, el Camino de Santiago, supuso el eje principal por el que se desarrolló el Románico en España. La escultura, pinturas y arquitectura constituyen un enorme esfuerzo de comunicación hacia una sociedad fundamentalmente iletrada. El simbolismo y la iconografía adquieren un elevado valor con el que desarrollar pequeños, constantes y brillantes ejercicios de narración, por lo que sus manifestaciones han sido fuente de inspiración para artistas y comunicadores a lo largo de la historia.

La exposición la podéis ver en el edificio de Fundación Mapfre en la Sala Recoletos. Pº Recoletos, 23 (http://www.exposicionesmapfrearte.com/romanico/)

Las claves del Románico, la tenéis disponible en la Mediateca.

Reseña: Pack James Bond

2011-02-03T19:52:00.002+01:00

Durante su paso por los servicios secretos británicos, el agente Ian Fleming se dedicaba a crear tramas y conspiraciones cuyo fin era engañar y desinformar al ejército enemigo. De su desbordante imaginación saldrían historias que tuvieron gran repercusión en el desarrollo de la Segunda Guerra Mundial. Una de esas tramas, por ejemplo, tuvo lugar durante los planes para el desembarco aliado en Italia. Mediante novelescas estratagemas que incluían la creación de un agente ficticio y un cadáver con un maletín flotando en las costas de Huelva, consiguió que los alemanes pensaran que el desembarco aliado se produciría en un lugar diferente del planeado con el consiguiente ahorro en esfuerzo y vidas humanas (ver). Tras la guerra, Ian Fleming retomó su carrera de escritor y entre sus nuevas creaciones surgió el personaje del agente James Bond, que se llevaría en 1962 a la pantalla con la película Dr. No. El telón de acero se había instalado entre oriente y occidente y gracias a eso pudo nacer Bond. Posteriormente, ese telón se debilitó y cayó, cayó también el muro de Berlín, cayó (en parte) el muro de machismo que rodeó a la serie desde el principio y cayó incluso el mismísimo carácter de superhéroe que arrastraba el agente.

La historia de la saga refleja el devenir de los gustos de la sociedad desde mediados del siglo XX. La combinación de lujo, acción, sexo y paisajes exóticos (ingredientes básicos del cóctel, revuelto que no agitado) se integran en unas tramas siempre rocambolescas en las que es inevitable perderse. La serie fue adaptándose a los tiempos, superando con mayor o menor fortuna las crisis que ha tenido.

Veintidós películas oficiales y treinta y nueve años después, esperamos con curiosidad lo que un director tan personal como Sam Mendes puede hacer; American Beauty, Camino a la perdición, Jarhead o Revolutionary Road son películas lo suficientemente ricas como para despertar la curiosidad no sólo entre el público entregado a la serie, sino entre los que siempre esperan algo más de una película. Y si además tenemos a Bardem de malo, pues mejor.

A los momentos estelares de la historia del cine, pasarán la mayoría de secuencias de créditos de las películas de 007, la banda sonora del recientemente fallecido John Barry y los temas centrales interpretados sobre todo por Shirley Bassey. Lo demás formará patrimonio de los incondicionales a Bond. Seguro que Mendes o Bardem dan una nueva vuelta de tuerca a la iconografía del agente secreto.

El pack con las veintidós películas oficiales de la serie ya está disponible en Mediateca.

Letras e imágenes

2011-01-24T15:17:00.004+01:00

Lo que queda del día (Kazuo Ishiguro / James Ivory)

Es el año1956 y Steven, el mayordomo durante más de treinta años de una mansión inglesa, sale por primera vez a hacer una pequeña escapada por la región. El antiguo propietario de la casa, lord Darlington, ha muerto y su nuevo dueño es un rico empresario norteamericano que anima al mayordomo a esa excursión. Ese cambio dará lugar a que recuerde y haga balance de los importantes hechos que durante las órdenes de su antiguo señor tuvieron lugar en la propiedad. También le permitirá enfrentarse a la realidad que su falta de perspectiva le ha impedido ver. Eran los comienzos de la II Guerra Mundial y Gran Bretaña, Francia, Alemania y Rusia seguían en conversaciones para intentar evitar una guerra inminente. Dentro de la opinión pública británica había sectores que por proximidad a Alemania o por ceguera, eran partidarios de estirar las conversaciones y pactar con el Reich para evitar la contienda. Con ese telón de fondo, la mansión se convierte en el escenario en el que se desarrollara un encuentro discreto entre los representantes de las potencias implicadas.
El deber, el respeto, el orden, la profesionalidad son las muletas con que cada día Stevens ha enfrentado su vida. Por su rigidez a ese ideario ha negado su parte afectiva, representada fundamentalmente por su viejo padre y, sobre todo, por el ama de llaves: la señora Kenton.
Tanto novela como película son magistrales en cómo se nos propone la historia. El texto es muy rico en imágenes y sutilidades y la película compone unas escenas que transmiten mucho más de lo que vemos. La idea de servicio, la importancia de las pequeñas cosas y la sensibilidad propia de la cultura japonesa, se acoplan perfectamente con la rigidez y la frialdad afectiva británicas. La cara oculta del trabajo del mayordomo es la docilidad, la sumisión y el clasismo de un mundo que se desvanece. El resultado es una obra de enorme delicadeza e inteligencia. Un drama latente que acaba derrumbando la perfecta construcción que da sentido a su protagonista. Una evocación al enorme vacío que supone ser consciente del desperdicio de una vida.
EL libro de Kazuo Ishiguro se publicó por primera vez en 1989 y recibió el Man Booker Prize, uno de los galardones más importantes dentro de la literatura inglesa.
La película se rodó en 1993 y fue nominada a ocho Oscar, entre ellas al Mejor actor para Anthony Hopkins, a la Mejor actriz para Emma Thompson y al Director para James Ivory.

Reseña: Un profeta (J. Audiard, 2009)

2011-01-19T20:12:00.002+01:00

Malik es un delincuente común que entra en una prisión francesa para pasar los próximos seis años de su vida. Libre de pasado, de eduación, de maldad o de bondad, Malik se mueve exclusivamente por su instinto de supervivencia. Esa fértil materia prima es reconocida por Cesar Luciani, el líder del grupo mafioso dominante en el penal, para hacerle una serie de encargos. De aquí en adelante, la historia de Malik es la de la creación de un delincuente decidido y autónomo. El sistema carcelario, corrupto y multicultural, es el escenario que permite el nacimiento de este nuevo y despiadado delincuente.

Un profeta no es sólo una película carcelaria. Afortunadamente se salta las convenciones y la mera crítica social y del sistema, que las tiene, para entrar a fondo en cada personaje. Película llena de seres poliédricos que evolucionan en líneas de rumbos que a veces son paralelos, convergentes, convexos y de colisión. Esto hace que tenga una riqueza y un dinamismo que mantienen siempre alta la intensidad a pesar de su duración.

La violencia, cruda y enfrentada sin rodeos, es inevitable en una película como esta pero en ningún caso puede considerarse gratuita; se destila con las dosis justas que la historia requiere.

Un profeta contiene juegos de espejo con la historia de la religión y referencias que van desde El padrino o Uno de los nuestros a Los soprano, pero con el acierto de tener su propia identidad. El trabajo de los actores, principalmente los de Tahar Rahim y Niels Arestrup, es tan completo que hace que el resultado persista en la retina y en la memoria del espectador. Una película dura que actualiza la tradición del cine negro francés y que no te dejará indiferente.

Especial: Documental musical

2010-12-23T13:42:00.004+01:00

Para terminar el año, haremos una pequeña incursión en el documental musical. Un género que en los últimos tiempos ha tenido un cierto auge gracias entre otras causas a apuestas arriesgadas de productoras como Avalon que han sabido ver la creciente demanda de un público consumidor de festivales musicales y de cine.
Nos ocupamos de tres películas con tres estilos diferentes de música, tres estilos diferentes de documental y tres estilos diferentes de entender la vida. Cada una de ellas daría lugar a una entera cosmogonía diferente de las demás, pero comparten entre ellas el poder de arrastrarnos por un torrente vital. En ellas encontramos ingredientes de la formación de los mitos y el componente humano del mito que se enfrenta a los focos.

Para comenzar, tenemos la elegante y equilibrada película de Lian Lunson sobre Leonard Cohen: Leonard Cohen: I’m your man. Título que es una declaración de intenciones de lo que nos encontramos: un concierto homenaje de músicos invitados versionando algunas de las canciones más carismáticas de Cohen, todo ello salpimentado con entrevistas a los participantes y al propio homenajeado. El gran acierto de este documental es obviamente la música y los artistas invitados. Puede parecer un planteamiento escaso y cuadriculado, pero unos buenos ingredientes nunca han necesitado demasiados condimentos para brillar. Delicado y exquisito.

Continuamos con algo más contundente: Let’s get lost es el documental que Bruce Weber hizo sobre Chet Baker, trompetista de jazz que puso la banda sonora a On the road de Jack Kerouac y a la contracultura americana de los años 50. Rabia destilada en forma de música hipnótica y elegante. Vida exprimida al borde del precipicio en una película que comparte ese carácter áspero y sutil. La película de Weber consiguió un Oscar en 1988 y paradójicamente no encontró un lugar para estrenarse entre las pantallas comerciales españolas hasta 2007. Sintomático y triste, aunque al final la cordura o la tenacidad hayan triunfado.

Para finalizar, (aunque hay más, mucho más ) me quedo con un documental que reúne todos los ingredientes para hacer de él una de esas películas con las que te reconcilias con la vida, si es que eso fuera posible. Anvil, primer documental de Sacha Gervasi (espero que esté ya haciendo el siguiente) cuenta la trayectoria de una banda de rock metal que tuvieron un prometedor comienzo junto a otras bandas ahora míticas, pero que, por determinadas razones, se quedaron en el limbo de la industria. Puede no resultar atractivo para el público no afín a esta tendencia musical, pero una vez más, es una equivocación. No vivir esta película, es perderse algo impagable. Digo vivirla porque eso es lo que consigue, que acompañes a los protagonistas, que rías, sufras y llores con ellos. Si este Gervasi consigue que empaticemos ( ¡y hasta qué punto!) con personajes tan disparatados como Lips o con Robb-o, es porque lo que está en juego son verdades con las que todos nos podemos sentir identificados. Seas heavy, trompetista de jazz, poeta canadiense o lo que se te antoje.

Feliz Navidad y Feliz 2011.

Mundoserie: Mad Men

2010-12-22T17:26:00.002+01:00

Mad Men o la publicidad hace 50 años

Mad Men es una serie que cuenta las historias que se suceden en torno a una agencia de publicidad situada en Manhattan, y lo hace de una forma muy peculiar. Esta premiadísima ficción, en la que todos y todas fuman y beben alcohol en cantidades muy poco recomendables para la salud, está ambientada, con todo lujo de detalles, en los años 60 del siglo XX.

Es muy interesante conocer cómo podría ser el trabajo en una agencia de publicidad hace 50 años, pero también se pueden apreciar las diferencias en el estilo de vida y los avances sociales que las mujeres y los trabajadores hemos conseguido en este tiempo; sin dejar de lado cómo afectó a la sociedad estadounidense acontecimientos como el asesinato de Kennedy o la beatlemanía.

Todos los trabajadores de Sterling Cooper, que es como se llama la agencia, tienen algo que esconder. Sus vidas pueden ser modélicas vistas desde lejos, pero poco a poco nos vamos dando cuenta de que ninguno es el “bueno de la película”. Desde Don Draper, el mejor creativo, hasta Peggy Olson, una no tan simple secretaria, cada personaje comete errores que lamentará a lo largo de toda la serie.

En Mad Men cuesta identificar la introducción, el nudo y el desenlace que se le presupone a todo capítulo. En esta serie, las cosas simplemente pasan. En ocasiones, el espectador no se percata de la importancia de los acontecimientos. Buena parte de culpa la tiene la falta de música en esta producción. Es bien sabido por todos que la música acompaña, normalmente, el estado de ánimo de los personajes y da intensidad a las escenas. Al no contar con este fundamental elemento, quien ve esta serie tiene que decidir qué es relevante en cada episodio. Por eso, es una ficción a la que hay que darle varias oportunidades. No es de las que te engancha en el primer capítulo, sino que hay que ir conociendo a los personajes y las tramas para encontrar su indudable atractivo.

Es una serie de mucha calidad de la que en Estados Unidos ya se ha emitido hasta la cuarta temporada. En la Biblioteca de Fuenlabrada de la Universidad Rey Juan Carlos podemos encontrar las tres primeras.

Ana Isabel Íñigo

Reseña: La guerra de Charlie Wilson (Estados Unidos, 2007)

2010-11-26T20:11:00.001+01:00

El cine es un buen medio para ilustrar el estudio de algunas materias. No hay que olvidar que toda ficción, e incluso la no ficción, está condicionada por una cadena de elementos involucrados en su producción. El grado en que esto influye en el resultado final es variable pero todas, incluso la más supuestamente neutral, están marcadas por la subjetividad de un último elemento que asume la responsabilidad artística, ideológica o financiera de ir por un camino u otro.
La guerra de Charlie Wilson parte de la biografía de un personaje real, el congresista de los Estados Unidos Charles Wilson, parte integrante del grupo responsable de los fondos reservados asignados a actividades encubiertas por la CIA. A semejante cargo se le une la personalidad del sujeto en cuestión. Una hoja de servicios de escasa enjundia política y sobrada actividad rozando la legalidad. Personaje dado al exceso y a manejarse por el lado más deslizante de las relaciones sociales. Por si fuera poco, sumemos a esta combinación la situación geopolítica: la guerra librada por el ejercito soviético en Afganistán, y todo puede pasar. Influido por esta situación, el señor Wilson se moviliza para lo que será su mayor proyecto político. De una asignación para Afganistán de 5 millones de dólares en el año 1980 se pasa a 1000 millones de dólares para equipar con armas al ejército afgano. Algo que no tenía precedentes en la política estadounidense y que contribuyó decisivamente a la retirada soviética y su crisis posterior.
Este es el planteamiento y el resultado de la película. Ocupándose de los movimientos del congresista entre las tramas de financiación política, asistimos a la trastienda de la guerra de Afganistán. Asombra ver cómo Wilson, ayudado por otro oscuro personaje de la CIA, consigue sacar de las arcas semejante cantidad de dinero para ponerla encima del tablero de Afganistán. Conseguida la derrota soviética, Estados Unidos cancela los fondos y deja el país a su suerte. El resultado de eso lo sabemos: el regreso de los talibanes, la radicalización que favoreció el caldo de cultivo de acciones que culminaron en el 11-s y la posterior invasión militar de Afganistán.
De entre toda la maraña de situaciones que se nos cuentan en la película, es recomendable pensar en qué elementos pueden ser reales (datos, personajes involucrados, situación y posiblemente el cómo se llegó al resultado final) y cuáles se han ocultado, se han novelado o se han maquillado dadas las circunstancias y moralidades puestas en juego. Es inevitable quedarse con la idea de que hemos asistido a una fenomenal representación. Una peripecia con cierto tono de sainete para centrarnos en una parte del todo. Una tragicomedia con final feliz a corto plazo y dramático a largo plazo. Interesante en cualquier caso.
En el plano artístico, hay que destacar la actuaciones de Tom Hanks como Charles Wilson, una inquietante Julia Roberts como embajadora en Pakistán y el siempre solvente Philip P. Seymour como agente de la CIA.
Me quedo con una frase del senador Wilson tras reunirse con el presidente de Pakistán:
“Uno sabe que ha tocado fondo cuando quien te dice que tienes algunas flaquezas es un hombre que ahorcó a su predecesor en un golpe de estado”.
Así son los actores en esta representación. Seguro que la frase es parte de la realidad.

Actualidad: Luis García Berlanga

2010-11-15T20:30:00.001+01:00

El cine de Luis García Berlanga es clave para entender hasta dónde puede llegar el ingenio en circunstancias verdaderamente adversas. El comienzo de su carrera como director transcurrió en una época en que la prohibición y la censura eran las reglas del juego. Las trabas ideológicas y la necesidad dan lugar a recursos que se convierten en virtudes y fuente creativa. Toda una estética de la precariedad recorre el eje vertebral de su obra. Es el genio creativo el que es capaz de hacer posible el milagro de revertir contra la situación dominante las mismas gotas de su veneno. Un veneno destilado y sutil, surrealista y enraizado al aspecto más positivo del carácter mediterráneo. Los productos culturales son hijos de su tiempo y Berlanga cruzó el suyo dejando una estela de películas que reflejan las luces y sombras de su época y su postura ante ellas. A día de hoy, en una situación social completamente diferente, da un poco de vértigo jugar a hacer comparaciones.
Junto a Rafael Azcona, Luis García Berlanga formó uno de los equipos de trabajo más fructíferos y lúcidos del panorama artístico español de todos los tiempos.
Un paseo por Bienvenido Mr Marshall, El verdugo, Los jueves, milagro, Plácido, La escopeta nacional o La vaquilla son algunas de las opciones para descubrir y repasar algunas de las cotas más altas del cine y la cultura española.

Programa doble: El crepúsculo de los dioses / Barton Fink

2010-10-27T15:18:00.008+02:00

El trabajo del guionista

O quizá mejor decir los trabajos, porque la labor del guionista, a parte de escribir el texto que un día se convertirá (o no) en película consiste en ser la pieza que une la sociedad con la industria, especialmente en Hollywood. Esto conlleva una serie de presiones y condicionantes en los dos sentidos. En su conexión con la sociedad, el guionista tendrá que elegir una historia ( o viceversa) y eliminar de ella todos los elementos que no le sean propios. De su vínculo con la industria, el guionista deberá lidiar con los presiones y condicionantes para que esa historia encaje y cumpla su función dentro del entramado industrial. Esta condición del guionista, de encaje entre dos mundos, queda expuesta en el programa doble que os proponemos.

El crepúsculo de los dioses, es la historia de Joe Gillis, un escritor en fuga de sus acreedores que se refugia en la mansión de una estrella en declive. El azar, impulsor de buena parte de guiones, hará que Gillis sea el elegido para elaborar el gran guión que deberá poner a Norma Desmond de vuelta al estrellato. De las necesidades de ambos, económicas para uno y de gloria para la otra, surgirá el planteamiento de un guión que nos llevará por las convulsas personalidades y relaciones del sistema de estudios en los años 50. Obra maestra de Billy Wilder en la que Gloria Swanson (Norma), interpreta a uno de los personajes que han pasado a formar parte del universo iconográfico del cine mundial (nadie baja las escaleras como ella).

Y ¿qué ocurre con el guionista? Si William Holden (Joe Gillis) en la película anterior, utilizaba la decadencia y necesidad de su “musa” para solventar sus problemas económicos por medio de su depurada técnica, John Turturro en Barton Fink, se enfrenta a los problemas propios del bloqueo intelectual. Barton Fink es un escritor de teatro que es contratado en sus prometedores comienzos por un gran estudio para escribir un guión a cambio de más dinero del que podría imaginar. Pero ese guión se le atasca. Encerrado en una cochambrosa habitación de un mugriento hotel, asistimos a la desesperación por encontrar la inspiración y la vena creadora. Tanto en Barton Fink como en El crepúsculo de los dioses, nos damos cuenta de que en todo ese proceso hay bastante más en juego que las facturas a pagar. Se adivina que ese papel de mediador arranca del escritor algo de su alma y eso es algo que no se puede rellenar con billetes de curso legal. Como dice Barton Fink “un escritor escribe con el estómago y el estómago le dice lo que es bueno” Este planteamiento honesto es el que le puede dar el éxito pero también llevarle a arrastrarse por terrenos oscuros.

Dos propuestas diferentes y complementarias sobre el papel del guionista y en general de todo proceso creativo. La eterna cuestión entre arte e industria. Alma y cuerpo.

Barton Fink (Joel Coen, 1991)

Sunset Boulevard - El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder, 1950)

Mundoserie: Presentación

2010-10-25T16:00:00.003+02:00

Comenzamos con la sección Mundoserie

Somos ya muchos los amantes de las series de ficción. Por eso, queremos abrir una nueva sección sobre este apasionante e interminable tema a la que llamaremos Mundoserie. Nuestro objetivo es ir presentando algunas ficciones más o menos populares y que, por supuesto, podemos encontrar en la Mediateca del Campus de Fuenlabrada. Ofreceremos una pequeña sinopsis de las ficciones, pero también una humilde crítica o valoración de las mismas.

Ya hemos publicado la primera entrada sobre la serie Big Love. Esperamos vuestras sugerencias y comentarios.